Innholdsfortegnelse:

Hvordan malerier av kjente kunstnere ble en del av moten, og formet en ny stil fra det tjuende århundre
Hvordan malerier av kjente kunstnere ble en del av moten, og formet en ny stil fra det tjuende århundre
Anonim
Image
Image

Koblingen mellom kunst og mote definerer spesifikke øyeblikk i historien. Begge disse mediene gjenspeiler sosiale, økonomiske og politiske endringer fra de brølende tjueårene til de pulserende åttitallet. Her er fire eksempler på kunstnere og motedesignere som gjennom sitt arbeid bidro til å forme et nytt perspektiv på kunst og mote fra 1900 -tallet.

1. Halston & Warhol: Fashion Brotherhood

Fire portretter av Halston, Andy Warhol. / Foto: google.com
Fire portretter av Halston, Andy Warhol. / Foto: google.com

Vennskapet mellom Roy Halston og Andy Warhol definerte den kunstneriske verden. Både Roy og Andy var ledere som banet vei for å gjøre artisten / designeren til en kjendis. De fjernet kunstverdenens pretensiøse stigma og brakte mote og stil til massene. Warhol brukte silketrykk flere ganger for å lage bildene. Selv om han absolutt ikke oppfant prosessen, revolusjonerte han ideen om masseproduksjon.

Roy brukte stoffer og mønstre som var enkle og elegante, men likevel glamorøse med bruk av paljetter, ultralyd og silke. Han var en av de første som gjorde amerikansk mote tilgjengelig og ønskelig. Begge satte sitt siste preg på kunst og stil gjennom 1960-, 70- og 80 -tallet, som fortsetter den dag i dag.

Både Roy og Andy har jobbet sammen om mange forskjellige prosjekter. Warhol opprettet reklamekampanjer som inneholdt Halstons klær og til og med Halston selv. På sin side brukte Halston blomstertrykket Warhol i noen av hans kleskolleksjoner, fra kveldskjoler til fritidssett.

Venstre til høyre: Blomster, 1970. / Lisa, 1978. / Blomster, 1970. (Alle verk av Andy Warhol). / Foto: wmonden.ro
Venstre til høyre: Blomster, 1970. / Lisa, 1978. / Blomster, 1970. (Alle verk av Andy Warhol). / Foto: wmonden.ro

Roy brukte enkle mønstre i klærne, noe som gjorde dem veldig vellykkede. De var behagelige å ha på, men hadde også et snev av luksus takket være tekstiler, farger og trykk. Warhol forenklet også materialer og prosesser. Dette gjorde det lettere å gjengi verkene hans og gjorde dem mer salgbare.

Kommersiell suksess har hatt sine egne utfordringer for begge artistene. Halston var den første som samarbeidet med detaljhandelskjeden JCPenney i 1982, og dette har påvirket kvaliteten på merkevaren hans. Warhol ble også møtt med kritikk, ettersom arbeidet hans ble oppfattet som overfladisk. Begge har imidlertid modernisert sin detaljhandel og markedsføring i sine respektive rom for å lage merker for massemarkedssalg.

Venstre til høyre: Halston -kjole, 1972. / Kjole med kappe, 1966. / Suit, 1974. / Foto: google.com
Venstre til høyre: Halston -kjole, 1972. / Kjole med kappe, 1966. / Suit, 1974. / Foto: google.com

Roy og Andy var hyppige besøkende i Studio 54. De arrangerte fester, designet og produserte verk for kjendiser som Liza Minnelli, Bianca Jagger og Elizabeth Taylor. Alt dette gjenspeiles i arbeidet deres da de inspirerte og definerte diskotiden på 1970 -tallet.

Venstre til høyre: Diamantsko, 1980. / Diamantsko med kvinnekjole, 1972. / Foto: pinterest.com
Venstre til høyre: Diamantsko, 1980. / Diamantsko med kvinnekjole, 1972. / Foto: pinterest.com

Halston var kjent for å lage glitrende kveldsklær. Roy la paljettene horisontalt på stoffet, og skapte en skinnende effekt av materialet han brukte til å lage luksuriøse antrekk elsket av mange glamorøse damer.

Warhol Diamond Dust Shoe Series illustrerer også nattelivet til Studio 54 og kjendisene som bor der. Diamantstøv er det han brukte over sjablonger eller malerier, og skapte et ekstra element av dybde for stykket. Og skoene hans var opprinnelig ideen for Halstons annonsekampanje. Uansett ga disse to et enormt bidrag til mote, og etterlot et uutslettelig merke bak seg. Selv i dag er mange moderne designere inspirert av ideene til Andy og Roy, og skaper praktfulle samlinger med ekko fra fortiden.

2. Sonia Delaunay: Når kunst blir mote

Sonia Delaunay med to venner i studioet til Robert Delaunay, 1924. / Foto: twitter.com
Sonia Delaunay med to venner i studioet til Robert Delaunay, 1924. / Foto: twitter.com

Sonia Delaunay revolusjonerte ikke bare en ny form for kubisme, men introduserte også forbindelsen mellom kunst og mote. Både Delaunay og mannen hennes var pionerer innen orfisme og eksperimenterte med forskjellige former for abstraksjon i kunsten. Hun var den første i sitt slag som brukte sin egen kunstneriske stil og flyttet inn i moteverdenen ved hjelp av sine originale tekstildesign, trykk eller mønstre. Hun huskes mer for kunsten og forbindelsen til mannen sin enn for moten. Hennes stil spilte en stor rolle på 1920 -tallet, og kleskatalogen hennes huskes mer for fotografier og referanser til hennes kunst enn plaggene selv. For Sonya var det og det er ingen grense mellom kunst og mote. For henne er de ett og det samme.

Venstre til høyre: Tre kjoler, Sonia Delaunay, 1925. / Tre kjoler i en, 1913. / Foto: yandex.ua
Venstre til høyre: Tre kjoler, Sonia Delaunay, 1925. / Tre kjoler i en, 1913. / Foto: yandex.ua

Hun startet sin motevirksomhet på 1920 -tallet, og skapte klær for klienter og designet stoff for produsenter. Sonya kalte etiketten Simultaneous og gikk enda lenger med bruk av farge og mønster på forskjellige emner. Samtidighet spilte en viktig rolle i arbeidet hennes, og hennes uvanlige teknikk minner om et lappeteppe eller tekstiler fra Øst -Europa: farger ble lagt over hverandre, og mønstre ble brukt for å skape harmoni og rytme. Hennes vanlige temaer inkluderer firkanter / rektangler, trekanter og diagonale linjer eller sfærer - som alle overlapper i hennes forskjellige design.

Verker av Sonia Delaunay. / Foto: ok.ru
Verker av Sonia Delaunay. / Foto: ok.ru

Delaunay var en ung kvinne under edwardiansk tid, da korsetter og konformitet var normen. Dette endret seg på 1920-tallet da kvinner begynte å bruke skjørt over kneet og løse, passformsklær. Dette aspektet kan sees i Delaunays design, og hun var lidenskapelig opptatt av å lage klær som passer til kvinners behov. Sonya utviklet badetøy som tillot kvinner å føle seg mer komfortable, selv når de dyrket sport og svømming. Hun la utskriftene sine på strøk, sko, hatter og til og med biler, og brukte hvilken som helst overflate som lerret. Hennes design skapte bevegelsesfrihet og uttrykk gjennom farge og form.

Fra venstre til høyre: Drakt for en film av Rene Le Somptier, 1926. / Cleopatra -drakt for russisk ballett, 1918. / Foto: facebook.com
Fra venstre til høyre: Drakt for en film av Rene Le Somptier, 1926. / Cleopatra -drakt for russisk ballett, 1918. / Foto: facebook.com

Gjennom hele karrieren prøvde hun seg stadig på noe nytt, og flyttet som et resultat til kino og teater. Sonia designet kostymene til Rene Le Somptiers The Little Parisian, mens mannen hennes gjorde settet for filmen. Hun var glad i geometriske former, kombinert og blandet dem behendig med hverandre, og skapte bisarre mønstre og brutte linjer som har blitt hennes kjennetegn.

3. Samarbeid mellom Elsa Schiaparelli og Salvador Dali

Skohatten. / Foto: gr.pinterest.com
Skohatten. / Foto: gr.pinterest.com

Avantgarden for surrealistisk kunst kombineres med lederen for surrealistisk mote. Salvador Dali og motedesigner Elsa Schiaparelli har samarbeidet og inspirert hverandre gjennom karrieren. De skapte ikoniske utseende som Lobster Dress, Shoe Hat og The Tear Dress som sjokkerte og inspirerte publikum både innen kunst og mote. Dali og Schiaparelli banet vei for fremtidig samarbeid mellom motedesignere og kunstnere, og bygde broen mellom det som regnes som bærbar kunst og mote. Dali brukte hummer som et tilbakevendende tema i arbeidet sitt og var interessert i anatomi deres.

Kle "Omar". / Foto: pluralartmag.com
Kle "Omar". / Foto: pluralartmag.com

Dress "Omar" er et felles verk av Elsa og Dali, og skapelsen av dem skapte mye kontrovers ikke bare på dagen for debuten, men også etterpå. Først har den en ren bodice og et hvitt organza -skjørt. Det uvanlige antrekket sprengte bokstavelig talt moteverdenen og forårsaket mye kontrovers om denne poengsummen. Bruken av hvit klut står også i kontrast til den røde fargen på hummeren. Hvitt kan betraktes som jomfru eller symbolisere renhet sammenlignet med rødt, noe som kan bety avslapping, kraft eller fare.

Fra venstre til høyre: Kvinne med blomsterhode, Salvador Dali, 1935. / Dress Skeleton, Elsa Schiaparelli, 1938. / Foto: youtube.com
Fra venstre til høyre: Kvinne med blomsterhode, Salvador Dali, 1935. / Dress Skeleton, Elsa Schiaparelli, 1938. / Foto: youtube.com

Skjeletter er et annet tema som finnes i surrealistisk kunst og har blitt brukt i flere samarbeid mellom Dali og Schiaparelli. Skeleton -kjolen var den første i sitt slag. Elsa brukte en teknikk som kalles trapunto, hvor to lag stoff sys sammen, og skaper en disposisjon der batting settes inn, og derved skaper en hevet effekt. Denne teknikken skaper en strukturert overflate på et flatt stoff, noe som gir en illusjon om at menneskelige bein stikker ut gjennom kjolen. Dette forårsaket en skandale fordi kjolen var laget av et elastisk materiale som festet seg til huden. Fantasiene om Dalis malerier og tegninger ble nedfelt i den uvirkelige verden av Schiaparellis antrekk, som den dag i dag gjør et uutslettelig inntrykk på både seere og designere.

4. Yves Saint Laurent: The Clash of Art and Inspiration

Venstre til høyre: Picasso -kjole av Yves Saint Laurent, 1988. / Birds of Georges Braque, 1953. Foto: pinterest.com
Venstre til høyre: Picasso -kjole av Yves Saint Laurent, 1988. / Birds of Georges Braque, 1953. Foto: pinterest.com

Hvor går grensen mellom etterligning og verdsettelse? Kritikere, publikum, kunstnere og designere har slitt med å finne ut hvor denne linjen går. Når det gjaldt Yves Saint Laurent, var hans intensjoner imidlertid ikke annet enn smiger og beundring for kunstnerne og maleriene han brukte som inspirasjon. Når han så på sin store portefølje, ble Saint Laurent inspirert av kulturer og kunst fra hele verden, som han lyktes med å integrere i klærne.

Venstre til høyre: Cocktailkjole - hyllest til Pete Mondrian, 1965. / Aftenkjole - hyllest til Tom Wesselmann, 1966. / Foto: vk.com
Venstre til høyre: Cocktailkjole - hyllest til Pete Mondrian, 1965. / Aftenkjole - hyllest til Tom Wesselmann, 1966. / Foto: vk.com

Selv om Yves aldri møtte kunstnerne som inspirerte ham, stoppet det ikke ham fra å lage kunstverk som et tegn på respekt for dem. Laurent hentet inspirasjon fra artister som Matisse, Mondrian, Van Gogh, Georges Braque og Picasso. Han var en kunstsamler og samlet malerier av Picasso og Matisse, som han hang i hjemmet sitt.

Yves tok noen av kunstmotivene og gjorde dem til fantastiske klær som hyller noen av hans favorittartister. 1960 -årene var en tid med revolusjon og kommersialisme, en ny epoke med mote og kunst. Saint Laurents prosjekter fikk kommersiell suksess da han begynte å hente inspirasjon fra popkunst og abstraksjon. I 1965 skapte han tjueseks kjoler inspirert av abstrakte malerier av Piet Mondrian. Kjolene uttrykte Mondrians bruk av forenklede former og dristige grunnfarger. Yves brukte en teknikk der ingen sømmer var synlige mellom stofflagene, noe som ga inntrykk av at klærne var ett helt stykke. Saint Laurent tok Mondrians kunst fra 1920 -årene og gjorde den bærbar i forhold til 1960 -årene.

Venstre til høyre: Detalj av en jakke i Van Gogh-stil, 1988. / Berømte Van Gogh solsikker, 1889. / Foto: zhuanlan.zhihu.com
Venstre til høyre: Detalj av en jakke i Van Gogh-stil, 1988. / Berømte Van Gogh solsikker, 1889. / Foto: zhuanlan.zhihu.com

Motekjoler er klassiske eksempler på 1960 -tallsstil. De lignet på klær fra 1920 -årene som var mindre begrenset og hadde ermer og kantkant som avslører store hudflekker. Saint Laurents firkantede silhuetter fikk kvinner til å føle seg lette og frie. Dette førte ham også til inspirasjon fra popartartister som Tom Wesselman og Andy Warhol. Han laget en serie popkunstinspirerte design som inneholdt silhuetter og utskjæringer på klærne. Det handlet om å overvinne begrensningene for hva abstraksjon er i kunsten og kommersialisering av design. Laurent samlet disse to ideene for å lage klær for kvinner som er gratis og attraktive for moderne damer.

Jakke i stil med Van Gogh, 1988. / Foto: zhuanlan.zhihu.com
Jakke i stil med Van Gogh, 1988. / Foto: zhuanlan.zhihu.com

Saint Laurents Vincent Van Gogh -jakker er et eksempel på hvordan Yves kombinerte kunstnerinspirasjon med sine egne designtalenter. I likhet med hans andre plagg ble ikke artistrelaterte temaer kopiert og limt på Saint Laurents klær. I stedet valgte han å bruke dem som inspirasjonskilde og lage stykker som gjenspeiler hans egen stil. Jakken er et eksempel på stilen på 80 -tallet, som er brodert med solsikker i den pittoreske stilen til Van Gogh.

Laurent har samarbeidet med Maison Lesage, en leder innen haute couture -broderi. Jakken "Sunflowers" er brodert med rørformede perler. Blomstene er fylt med forskjellige nyanser av oransje og gule gnister. Dette skaper en flerdimensjonal tekstur som ligner Van Goghs teknikk for å påføre tykk maling på lerret. Det anslås å være en av de dyreste haute couture -elementene som noen gang er laget og solgt hos Christie's for nesten fire hundre tusen euro. Saint Laurent banet vei for å bruke klær som et kunstverk i seg selv, uavhengig av mote og tidsperiode.

Fortsett emnet, les også om det som førte Saeko Yamaguchi til suksess, noe som gjorde henne til en av de mest elskede musene til Kenzo og Yamamoto.

Anbefalt: