7 mesterverk av Eremitasjen som er verdt å se i 2020

2024 Forfatter: Richard Flannagan | [email protected]. Sist endret: 2023-12-16 00:14

Forskere har lenge bevist at kunst har en gunstig effekt på menneskers helse ved å redusere angst og stress i kroppen. Dette gjelder spesielt for kunst og kontemplasjon av det vakre. Derfor, for at 2020 skal bli fylt med en gunstig tilstand av kropp og ånd, er det verdt å besøke Eremitasjen og se de mest berømte utstillingene til museet.

"Apostlene Peter og Paul" av El Greco

El Greco er en av de lyseste og mest originale artistene. Gresk av opprinnelse, han studerte maleri i Italia på verkstedet til den store Titian. Han lærte oljeteknikken fra idolet sitt og ble også inspirert av de kunstneriske teknikkene i italiensk manisme. El Greco skilte seg ut blant sine kolleger for originaliteten til den dramatisk uttrykksfulle stilen. I portrettene ga han stor oppmerksomhet til psykologisk karakterisering. I dette maleriet fra Eremitasjen representerer kunstneren to forskjellige typer mennesker. Til venstre er apostelen Peter, som fornektet Kristi eksistens tre ganger. Ansiktet hans formidler tristhet og usikkerhet, mens bevegelsene hans er farget med anger og bønn. Apostelen Paulus, som, som du vet, opprinnelig var en nidkjær forfølger av kristne, viser på bildet åndelig glød i å bekrefte sannheten. Håndbevegelsene som utgjør det komposisjonelle sentrum i verket, uttrykker en dialog som forener de to apostlene.

Den gråhårede Peter, innpakket i en gylden kappe, vippet hodet til siden. I venstre hånd holder han symbolet sitt - nøkkelen til Himmeriket. Pavel presser fast venstre hånd til det åpne volumet på bordet, høyre hånd stiger opp i en oppklaringsgest når han ser direkte på betrakteren. St. Peter og St. Paul vises mange ganger i El Grecos arbeid, og de er avbildet med slående konsistens. Artisten viser alltid Petra med grått hår og skjegg, og han bærer ofte en gul kappe over en blå tunika. Paul er alltid lett skallet, med mørkt hår og skjegg, i en rød kappe over blå eller grønne klær.

"Penitent Mary Magdalene" av Titian

The Penitent Mary Magdalene er et portrett av St. Mary Magdalene Titian fra ca 1531, med signaturen 'TITIANUS' på fartøyet til venstre. I følge handlingen er dette en kvinne med en oppløst fortid, som ifølge evangeliet (Lukas 7, 36-50) kom til huset til fariseeren Simon for å be Jesus om tilgivelse. Det er en feminin figur fremstilt av Titian med tykke, konsentrerte slag og varme toner. Paletten fremhever utrolige øyne dynket i krystalltårer. Det kobberblonde håret som dekker figuren er fantastisk skrevet. Temaet for den angrende Maria Magdalena, som løftet blikket mot himmelen, fikk stor popularitet i Italia på 1500 -tallet blant aristokrater, religiøse ledere og den velstående middelklassen. Mangel på klær symboliserer nektelsen til Magdalena fra smykker, gull og verdslige hobbyer av hensyn til troen på Kristus. I tillegg oppfyller det gylne håret og den generelle figuren i Magdalena standardene for renessanseskjønnhet.

"Madonna Litta" av Leonardo da Vinci

Maleriet fikk navnet sitt fra den milanesiske adelsfamilien, i hvis samling det ble funnet det meste av 1800 -tallet. I 1865 kjøpte den russiske tsaren Alexander II lerretet til Eremitasjen, hvor det vises frem til i dag. Dette verket skildrer Madonna som ammer Kristusbarnet. Legg merke til fraværet av spøkelser i dette bildet. En rekke av Leonardos lerret viser den samme egenskapen. Figurene er satt i et mørkt interiør med to buede åpninger som viser utsikt over det fjellrike landskapet. En interessant detalj: i midten av bildet, i Kristi venstre hånd, er det en gullfinke, som er et symbol på Kristi lidenskap.

Følelsen av morskapets glede i maleriet "Madonna Litta" er spesielt herlig skildret takket være rikheten til selve bildet av Mary - her fant det sitt modne uttrykk for Leonardos feminine skjønnhet. Madonnas milde, vakre ansikt gir en spesiell spiritualitet til halvt lukkede øyne og et lite smil. Maleriets sammensetning er slående i sin slående klarhet og perfeksjon. Madonna og barnet var et vanlig motiv i kristen kunst i middelalderen og fortsatte inn i renessansen.

"Lutespiller" Caravaggio

Maleriet ble bestilt av kardinal Francesco del Monte, som nedlatende kunstneren. Caravaggio fremstilte en ung mann fascinert av musikk: blikket er fullt av inspirasjon, fingrene klamrer seg til strengene. Figuren til en ung mann i en hvit skjorte skiller seg tydelig ut mot en mørk bakgrunn. Kraftig sidebelysning og fallende skygger gir gjenstander et nesten merkbart volum og vekt. Objektene som er plassert i bildet vitner om kunstnerens store kjærlighet til verden rundt ham, hans ønske om å sannferdig gjengi naturen, å formidle den materielle kvaliteten til hver detalj. På notisboken som lå foran helten med en lutt, er åpningsnotatene til madrigalen populær på 1500 -tallet "Du vet at jeg elsker deg" skrevet.

Kjærlighet som tema for dette verket er også indikert av andre objekter. For eksempel var den sprukne luten en metafor for kjærlighet som mislykkes. I begynnelsen av kreativiteten ga Caravaggio ofte ungdom feminine trekk, som imidlertid var typisk for italiensk kunst på slutten av 1500 -tallet. Det er interessant at musikeren fra maleriet fra Eremitasjen ofte ble forvekslet med en jente, og komposisjonen ble kalt "The Lute Player".

"The Lady in Blue" Thomas Gainsborough

Et av kunstnerens beste verk - "The Lady in Blue" - ble skapt av Gainsborough i blomstringen av sine kreative krefter. Figuren av en ung kvinne i en åpen kjole av gjennomsiktig hvitt stoff skiller seg forsiktig ut mot en mørk bakgrunn. Hennes pulverformede hår er stylet til en sære frisyre. Store krøller faller over skrånende skuldre. Friskheten i det ungdommelige ansiktet fremheves av halvåpne lepper og mandelformede mørke øyne. Med en lett bevegelse av høyre hånd holder hun det blå silkeskjerfet. Gråaktige, blålige, rosa og hvite toner her og der forsterkes med lyse strøk, og bidrar til å formidle modellens eleganse og skjønnhet.

Frimodigheten til Gainsboroughs billedteknikker overrasket hans samtidige. Så, Reynolds bemerket "merkelige flekker og trekk" i maleriene av Gainsborough, "som mer sannsynlig virker som et resultat av tilfeldigheter enn en bevisst intensjon." Det er denne ikke-akademiske tradisjonen som er en av Gainsboroughs største prestasjoner. "The Lady in Blue" kom inn i Eremitasjen i 1916 fra samlingen av A. 3. Khitrovo etter vilje.

The Prodigal Son's Return av Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Dette mesterverket av bibelsk kunst bekrefter nok en gang Rembrandts status som en av de fineste malerne gjennom tidene og den største av alle gamle mestere i å skildre bibelske scener. Maleriet The Return of the Prodigal Son, fullført av kunstneren i de siste årene av hans liv, skildrer en scene fra lignelsen Luke 15: 11–32. I følge den fremragende kunstkritikeren Kenneth Clarke er lerretet et av de største maleriene gjennom tidene. I følge handlingen legger faren, i likhet med patriarken, hendene på skuldrene til en barbert bønner og kledd i utslitte klær. Øynene hans er nesten lukket. Tilgivelseshandlingen blir en velsignelse for et nesten sakramentalt nadverd.

Dette er et bilde med den største åndelighet, fri for alle anekdotiske aspekter, der alle bevegelser og handlinger har stanset. Scenen stuper inn i mørket, som en tunnel, hvorfra ansiktene til faren og hans eldste sønn lyser skinnende. De røde kappene deres gir dette mørket en glød. Rembrandt har gjentatte ganger malt på temaet til den fortapte sønnen, men i denne monumentale oljeversjonen kom han til sin mest spennende og - takket være kontrasten mellom den eldste og den yngre (fortapte) sønnen - den psykologisk vanskeligste formuleringen.

"Dans" av Henri Matisse

"Dans" er et av de mest kjente verkene til Henri Matisse - en ode til liv, glede, fysisk avvisning og et symbol på samtidskunst. Stykket ble bestilt av den innflytelsesrike russiske samleren Sergei Shchukin i 1909 for å dekorere herskapshuset hans. Kjennetegnet ved sin enkelhet og energi, satte denne kunstneriske orgien et uutslettelig preg på kunsten fra det 20. århundre. Dansen ble skrevet på høyden av Fauvist -estetikken og legemliggjør frigjøringen av tradisjonelle vestlige kunstneriske tradisjoner. Henri Matisses estetiske valg for dette maleriet forårsaket en skandale i kunstsalonger i 1910. Dristig nakenhet og grove nyanser ga bildet en ekstraordinær karakter for den tiden, noe som i noen seers øyne virket barbarisk.

Matisse brukte bare tre farger for å skildre denne dansen: blå, grønn og rød. I tråd med tradisjonelle Fauvist -fargesammenslutninger skaper disse tre nyanser intens kontrast. Matisses mål var imidlertid ikke å sjokkere publikum. Tvert imot, han søkte å forene mennesker med hverandre og med naturen. Som kunstneren sa: "Det jeg drømmer om er balansert, ren og rolig kunst som kan unngå trøbbel eller skuffelse."