Berømte kjoler i maleri, som man kan bedømme hvordan tiden i tiden var

2024 Forfatter: Richard Flannagan | [email protected]. Sist endret: 2023-12-16 00:14

Fra gammelt av har kunst og mote påvirket hverandre, og tvunget kritikere og fashionistas til å nøye følge nye trender som raskt erstatter hverandre. Og mens noen evaluerte bildet med hensyn til tekniske egenskaper, løp andre til skredderne for snart å få en kjole akkurat som heltinnene som er avbildet på lerretene.

1. Renessanse

Renessansen var en tid for kulturell og kunstnerisk vekkelse da klassisisme gjorde en revolusjonær retur til europeiske samfunn. Imidlertid så denne perioden også betydelige endringer i mote. Se hvordan berømte kjoler i malerier påvirket mote under renessansen.

"Portrett av Arnolfini -paret" av Jan van Eyck er et av hovedelementene i studiet av stoff i portrettmaleri. Kvinnens smaragdgrønne ullplagg og erminefôrede ermer viser familiestatus, ettersom bare de velstående hadde råd til denne typen stoff. Ull, silke, fløyel og pels var sjeldne og dyrere å produsere enn bomull eller lin, og var et symbol på status og rikdom. Et av de mest kontroversielle spørsmålene rundt maleriet er om kvinnen som er avbildet (antagelig kona til Arnolfini) er gravid. Renessanseskjørt var så frodige og tunge at kvinner løftet dem opp for å gjøre det lettere å bevege seg.

De ekstra svingete foldene på kjolen viser også en trend mot å skildre kvinner med en uttalt mage, ettersom den antydet at de skulle bli barn under ekteskapet. Et annet eksempel på dette er Les Très Riches Heures du Duc de Berry av Limburg -brødrene. I begge bildene er kvinner avbildet med mer avrundede mager. The Magnificent Book of Hours of the Duke of Berry skildrer et bryllup, og det kan sammenlignes med portrettet av Arnolfini, siden begge kvinnene projiserer et bilde av morskap i påvente av graviditet. Uten å se på maleriet fra et moderne perspektiv, kan man se det som en oversikt over hva kvinnene hadde på seg og hva som var viktig for folk å vise for andre.

2. Barokk- og rokoko -periodene

Barokk- og rokoko -periodene er preget av utsøkt innredning, dekadens og lekenhet. Disse tendensene manifesterte seg ikke bare i kunst, men også i mote gjennom intrikate ornamenter og luksuriøse kjoler. Ta en titt på noen av de berømte kunstinspirerte kjolene.

En ukjent kunstners oppmerksomhet på detaljer og kjole er det som gjør Elizabeth Clark Frick (Mrs. John Frick) og Little Mary til en viktig oversikt over New England Puritans. I dette utseendet bruker Elizabeth fine amerikanske stoffer og tilbehør fra 1600 -tallet. Hennes hvite blonderkrage indikerer den populære europeiske blonder som finnes blant aristokratiske kvinner. En gullbrodert fløyelunderskjørt er synlig under kjolen hennes, og bånd pryder ermene. En kvinne har også smykker: et perlekjede, en gullring og et granatarmbånd, som igjen snakker om status og velstand. Dette maleriet gir et unikt perspektiv på det puritanske livet til Elizabeth og hennes familie.

Det er også verdt å merke seg det faktum at kunstneren mesterlig klarte å blande bilder av rikdom i beskjedne omgivelser. Maleriet viser Elizabeths rikdom tydelig og fremhever hennes fineste klær og smykker. Det gjenspeiler også rikdommen til mannen hennes, John Frick, som hadde råd til å oppfylle sin kones hverter innfall ved å kjøpe henne forskjellige antrekk og smykker. I tillegg symboliserer bildet deres puritanske takknemlighet til Gud, for uten hans velsignelse kunne de ikke ha hatt en slik luksus.

The Swing av Jean-Honore Fragonard er et eksempel på rokokostilen i franske aristokratiske kretser. Maleriet ble bestilt privat da en fransk hoffmann ba kunstneren om å male sitt eget portrett og hans elskerinne. Til tross for at maleriet ble holdt bak lukkede dører, avslører det luksusen, useriøsiteten og den hemmelige naturen til det franske kongsgården.

Den pastellrosa kjolen skiller seg ut blant den frodige hagen og er sentrum for oppmerksomheten. Jean malte kjolen med løse penselstrøk som etterligner de brede skjørtene og volangformet kjolen. Hans løse børste matcher plottet til denne idylliske hagescenen fylt med flørtende og finurlige bilder.

Maleriet hans viser også trendene som ble satt i det franske hoffet for mote. Rokoko overskred mote, kunst og arkitektur for å skape noe unikt fransk. Rokokomote inkluderte de mest luksuriøse stoffene, inkludert pastellfarget silke, fløyel, blonder og blomstermønstre, i tillegg til en overdreven mengde buer, perler, frills og pryddekorasjoner for å skape et utseende som hoffmenn og gjester ville krølle seg på. har hodet. Style definerte forskjellen mellom de fattige og de rike, ettersom aristokratiet hadde råd til luksusen av utsøkte stoffer og ornamenter. For kvinner som har på seg disse rokoko-inspirerte antrekkene, er maleriet symbolet på det franske kongsgården før revolusjonen.

3. Kjente kjoler i maleriene fra XIX århundre

På 1800 -tallet så et kunstnerisk skifte fra nyklassisisme til tidlig modernisme, noe som ga plass for stiler og tankeskoler. Dette århundret så også en endring i mote. Les videre for å se hvordan maleriene påvirket fremveksten av kjente kjoler og stiler som var merkbart mer moderne enn før.

Art for Art ble assosiert med Symphony in White No. 1 av James Abbott McNeill Whistler, som hadde til hensikt å gi maleriet en åndelig betydning. Kritikere så imidlertid ikke alt dette, siden maleriet avbildet kunstnerens elskerinne, kledd i en lys hvit kjole. Som et resultat ble dette portrettet skandaløst. I løpet av 1800 -tallet inkluderte dameklær ofte en crinoline underkjole laget av stål. Kvinner hadde også korsetter blant en rekke andre undertøysartikler for å kunne lage bredere skjørt.

"Kvinnen i hvitt" er det motsatte av det som var fasjonable og høyprofilerte på den tiden. Kjolen til hovedpersonen avbildet på bildet var en slags undertøy som enten en mann eller en kjæreste kunne se, siden det ble antatt at slike klær var veldig enkle å ta av. For Whistler skulle musen hans være en del av en scene som var behagelig for øyet. Han fremstilte Hiffernan slik han så henne, og for seerne den gangen var bildet både forvirrende og litt uanstendig. Men med advent av 1900 ble en slik kjole normen for daglig bruk.

James Tissot laget mange malerier som skildret kvinners mote på slutten av 1800 -tallet. Han var foran europeisk mote og er kjent for å male emnene sine med tanke på de siste motetrendene. Kvinnemote begynte å endre seg blant unge damer i Paris og London på slutten av 1800 -tallet. De brede og tunge skjørtene til deres viktorianske forgjenger ble erstattet av smalere med puffete folder i ryggen.

I maleriet "Miss Lloyd" er heltinnen kledd i en kjole slik den ble brukt i samfunnet på den tiden, og understreker den smale midjen og timeglassfiguren. "Portrett av Kathleen Newton" (hans daværende følgesvenn) er det helt motsatte av bildet av frøken Lloyd. Kunstneren fremstilte en kvinne i en kjole som om hun utstråler sløvhet og forførelse. Begge kvinnene har imidlertid sin egen spesielle sjarm og mystikk rundt dem. Selve kjolen symboliserer forskjellene i populærkulturen den gangen. Det ene bildet er tradisjonelt og konvensjonelt, mens det andre er ærlig talt intimt og skandaløst for seerne på 1800 -tallet.

John Singer Sargent skapte bildet av en kvinne, som, selv om det var uakseptabelt for sin tid, ble et av hans mest gjenkjennelige og ærverdige malerier. Dette er et portrett av Madame Virginie Gautreau, en amerikansk skjønnhet blandet med det franske høysamfunnet. Dette forårsaket en så stor skandale at John selv måtte forlate Paris til London.

Korsetten hennes er ekstremt spiss mot nedre del av magen. En skarp, dyp v-hals og perlerede skulderstropper dekker knapt skuldrene og avslører det som ble ansett som intime deler av en kvinne, upassende for offentlig visning. Etter at Sargent presenterte maleriet i Paris Salon i 1884, forårsaket det opprør fra kritikere og tilskuere, fordi det ikke er hensiktsmessig for en gift kvinne i overklassen å være i en så provoserende form. Det virket for publikum i salongen at heltinnen på bildet hadde på seg undertøy, ikke en kjole. Og Gautreaus rykte i folks øyne begynte å skli til null, fordi mange betraktet henne som en uanstendig person. Etter hvert fjernet Sargent navnet hennes fra portrettet, og ga det nytt navn til "Madame X".

4. Kjente kjoler i maleriene fra det tjuende århundre

Kunst i det tjuende århundre fokuserte på abstraksjon og uttrykk, og gjennomgikk betydelige endringer med nye stiler og temaer. Det førte også til utforskning av nye former og synteser av mote og kunst. Her vises de berømte kjolene som ble omtalt i malerier i løpet av det tjuende århundre.

Adele Bloch-Bauer sin gyldne kjole skiller seg ut fra resten av det høye samfunnet på sin tid. I stedet for å skildre en kvinne fra overklassen som slapper av i en hage eller leser på en sofa, forvandler Klimt Adele til en annen verden. Kjolen hennes er en virvlende figur fylt med trekanter, øyne, rektangler og ikonografi. Det er ingen tegn på rette snøringskorsetter eller lag med klær. Moderne inneholder temaer av natur og mytiske bilder. Dette gjelder også bohemisk mote, som Gustav selv hadde på seg og brukte i forskjellige andre malerier.

Han malte ofte tegninger laget av motedesigner Emily Flege. Hun er ikke like kjent i moteverdenen som hennes samtidige eller forgjenger, men hun gjorde det bra med å skape mote for kvinnene i sin tid. Noen ganger var det et samarbeid, ettersom Gustav brukte hennes kjente kjoler i mange av sine andre malerier.

Tamara Lempicka laget portretter som utforsket femininitet og uavhengighet på 1920 -tallet. Art Deco -artisten ble kjent for sine portretter av kjendiser som utforsket den stiliserte og polerte formen for kubisme som ble hennes varemerke. Ira Perrault (en nær venn og sannsynligvis elskerinne til Lempicki) blir sett på som en bokstavelig manifestasjon av musikken i La Musicienne. Det som får bildet til å skille seg ut er skildringen av en blå kjole. Tamaras harde skyggeteknikk med sin rike fargepalett gir bevegelse til kjolen, så den ser ut til å flyte i luften. Kjolens korte kant og de flytende folder minner fortsatt om 1920 -tallsmote som var et vendepunkt for kvinners mote. Kvinner hadde på seg kjoler som avslørte bena og armene, og plisserte skjørt som gjorde det lettere å danse.

Tamara ble inspirert og studert av renessansemestere og brukte lignende temaer med en moderne tilnærming. Tradisjonelt kan blå sees på kjolene til Jomfru Maria i malerier fra middelalderen eller renessansen. Ultramarinblått var sjeldent og ble brukt til betydelige malerier.

Fargerike og håndlagde meksikanske stoffer er vevd inn i arbeidet til Frida Kahlo. Hun omfavnet disse plaggene som en del av arven hennes og bar dem i mange selvportretter og fotografier. De berømte kjolene i The Two Fridas symboliserer hennes bånd til begge sider av hennes europeiske og meksikanske arv.

Frida til venstre gjenspeiler oppveksten i en familie i øvre middelklasse. Faren hennes var opprinnelig fra Tyskland, og hjemmelivet som barn inneholdt vestlige skikker. Kjolens hvite blonder symboliserer stilen som er populær på europeisk måte. Denne vestlige versjonen står i kontrast til den høyreorienterte Fridas ønske om å omfavne sin meksikanske arv ved å ha på seg en tradisjonell kjole. Disse klærne er noe mannen hennes Diego Rivera oppmuntret til, spesielt i kampen for å forandre sitt land. Kjolen viste sin stolthet i å ha på seg lokale og tradisjonelle klær fra Mexico.

Kahlos klær er et viktig aspekt av hennes liv og arbeid. Etter at hun ble polio som barn og det ene beinet ble kortere enn det andre, ble fargerike skjørt en måte for henne å skjule beinet på en slik måte at det beskyttet henne mot granskning. Kunstnerens garderobe inkluderte tehuana -kjoler, huipil -bluser, rebozo, blomsterhodeplagg og antikke smykker. Disse klærne til Kahlo er en illustrasjon av hennes kjærlighet, smerte og lidelse, som hun inkluderte i arbeidet sitt.

Om, hvordan kimonoen har forandret seg gjennom århundrene og hvilken rolle den har spilt i kunst og moderne mote, les neste artikkel.