Hvem Rodin virkelig skapte "The Thinker" eller "The Mourner": The True Meaning of Famous Art Works

2024 Forfatter: Richard Flannagan | [email protected]. Sist endret: 2023-12-16 00:14

Alle kan lett legge merke til at temaet sorg er veldig populært blant artister. Og ofte vet moderne mennesker ikke engang om historien til opprinnelsen til noen malerier eller skulpturer og deres sanne betydning.

"Portrett av Venezia Stanley, Lady Digby" Van Dyck

Det ser ut til at den unge kvinnen sover fredelig. Da den flamske kunstneren Anthony van Dyck i 1633 prøvde å formidle all den aristokratiske skjønnheten i Venezia Stanley, Lady Digby, på maleri, maler han faktisk et portrett … av et to dager gammelt lik som lå på dødsleiet.

Forferdet av sorg over å oppdage at kona plutselig hadde dødd om natten, i en alder av 33 år, spurte Venezias mann, Sir Kenelm Digby, Van Dyck, hoffmaleren til kong Charles I, om å male sin avdøde kone før "kirurger og koronere" ankommet."

Anthony van Dyck skrev Venezia, Lady Digby på hennes dødsleie i 1633 - to dager etter at kvinnen døde i søvne

Van Dijk satte i gang og ignorerte de forferdelige endringene som skjer i menneskekroppen etter døden. På den bleke, sjarmerende halsen i Venezia tegnet han et perlekjede, og på kanten av arket spredte han roseblader. Digby mente at maleriet av Van Dyck, som nå er i Londons Dulwich Art Gallery, var kronprestasjonen for kunstnerens skapelse. Ifølge ham så denne "rosen" ut til å "falme" selv ved første øyekast og skulle symbolisere konas død.

Til tross for at det har gått nesten 4 hundre år, er det fortsatt rykter om at Digby, som ikke bare var en hoffmann og diplomat, men også en oppfinner og alkymist, selv forårsaket konas død. Noen sier at han ga Venezia en blanding av hoggormblod å drikke, som han håpet å bevare skjønnheten med. Andre mener at han drepte henne i en sjalusi - tross alt sa han en gang om den beryktede slarvigheten i Venezia at "en klok og sterk mann kan gjøre en ærlig kvinne selv fra en bordellarbeider." Interessant nok, selv om en obduksjon ble utført, har resultatene ikke blitt bevart.

Imidlertid befant Digby seg ødelagt av Venezias død. Han skrev til broren at Van Dycks postume portrett “er den eneste konstante følgesvennen jeg har nå. Han står hele dagen foran stolen og bordet mitt … og hele natten ved sengen. Når det svake måneskinn faller på ham, virker det som om jeg virkelig ser henne død."

Med andre ord, ifølge Digbys brev har det lille oljemaleriet av Van Dyck, mindre enn en kvadratmeter stort, blitt en trøst og trøst for den sorgramte enkemannen. Hvis rosen i bildet virkelig er "emblemet" for livets forgjenge, symboliserer selve bildet det som kan kalles sorgens kunst.

I tillegg til begravelsesmonumenter i kirker, som hovedsakelig ble installert til minne om den avdøde, ble temaet sorg i vestlig kunst før Van Dycks epoke, i middelalderen og under renessansen som regel bare funnet i religiøse maleri og skulpturer dedikert til den tragiske historien om Kristi død …

Michelangelos Pieta i Peterskirken

Michelangelos fantastiske marmorpieta i Peterskirken er det eneste skulpturverket han noen gang har signert. Hun skildrer den sørgende jomfru Maria med den døde Kristus liggende i fanget hennes. Dette er kanskje det mest kjente eksemplet, men det er mange andre. For eksempel kan man trekke frem et maleri av en annen høyrenessansekunstner og venn av Michelangelo, Sebastiano del Piombo. I følge eksperter ved Nasjonalgalleriet er maleriet (som del Piombo jobbet med Michelangelo på) "Lamentation of the Dead Christ" (c.1512-1516) "det første store nattslandskapet i historien", og dets måneskinnede himmel matcher perfekt den dystre stemningen.

Michelangelos Pieta i Peterskirken er en berømt versjon av et av de vanligste bildene i katolicismen: Jomfru Marias sorg over sønnens død

Selvfølgelig har det tradisjonelle temaet om sorg over Kristus blitt fremstilt av mange kjente forfattere i kunsthistorien, fra Giotto og Mantegna til Rubens og Rembrandt. Dette er bare noen få av de tusenvis av kunstnere som har skildret denne bibelske scenen i en eller annen form gjennom århundrene. Sorgskunsten har faktisk blitt så allestedsnærværende at noen ganger glemmer folk det de ser på. Kuratoren for Rodins nye utstilling på British Museum publiserte nylig en artikkel som antydet at den berømte franske skulpturen The Thinker faktisk burde hete The Mourner. "Se nøye på hånden og haken," sa Ian Jenkins, en myndighet om gammel gresk kunst. - Hvis denne personen tenkte på noe, ville han ha dekket haken med hånden i en tankefull omtanke. Men i denne skulpturen støtter hånden haken. Og i det gamle Hellas var det en gest av sorg."

"Isle of the Dead" av Arnold Böcklin

Oljemaleri på tre av Arnold Böcklin "Isle of the Dead", 1880. Plottet er basert på gammel gresk mytologi. Maleriet inspirerte skrekkfilmen med samme navn av Jacques Tourneur

Hvis du skriver inn ordet "sorg" i en søkemotor på et internasjonalt museum på nettet, vil det gi mange resultater. For eksempel i Storbritannia returnerte et søk etter dette søkeordet på Tate Gallery -nettstedet 143 kunstverk om temaet sorg og lidelse fra forskjellige perioder.

På 1700 -tallet begynte kunstnere for eksempel å se på sorg og sorg gjennom prismen i Shakespeare -drama. Et favorittemne var døden til kong Lears datter Cordelia. På 1800-tallet var John Everett Millais 'imponerende detaljerte maleri Ophelia (1851-52), som modellen Elizabeth Siddal poserte for flere timer daglig i badekaret i fire måneder, et berømt og svært poetisk visuelt uttrykk for sorg. Den skildrer en dansk adelskvinne fra Shakespeares Hamlet som ble gal av sorg over sin myrdede far og druknet seg i en bekk.

Rodins tenker

Ian Jenkins fra British Museum mener Rodins The Thinker bør kalles The Mourner fordi figuren hvilte haken i knyttneve - et tydelig tegn på at personen er trukket tilbake og nedsenket i sin egen sorg.

Sorg var et veldig viktig tema for kunstnere i viktoriansk tid, da en kompleks "sorgkultur" var populær. I sin Art of Death (1991) bemerker kunsthistoriker Nigel Llewellyn at "en imponerende visuell dødskultur" var et kjennetegn på 1800 -tallet.

"Weeping Woman" av Picasso

På 1900 -tallet fortsatte kunstnerne tradisjonen til sine viktorianske forfedre med å uttrykke sorg i verkene sine. Det beste eksemplet er kanskje Picassos Weeping Woman (1937), som er knyttet til hans episke maleri Guernica samme år, malt under den spanske borgerkrigen som svar på at det tyske flyet bombet en baskisk by. Guernica anses av mange for å være det ultimate uttrykket for den kollektive sorgen på 1900 -tallet. Selvfølgelig er det mange eksempler på andre malerier fra det 20. århundre, hvis tema er relatert til tristhet. For eksempel kan du huske et lite maleri av Lucian Freud, malt av ham i 1973 - et portrett av moren hans, trist av ektemannens død.

"Triptych" av Francis Bacon

Francis Bacon malte i venstre panel av Triptych (august 1972) hans elsker George Dyer, som begikk selvmord

Francis Bacons Triptych, som også vises på Tate i dag, har klart å berøre både personlig og offentlig sorg. En av Bacons såkalte Black Triptychs ble malt etter selvmordet til sin elsker George Dyer, hvis bilde kan sees i panelet til venstre. Dermed er triptyken et uforglemmelig og veldig personlig vitnesbyrd om malers lidelse (som for øvrig er avbildet i høyre panel).

To verdenskrig på 1900 -tallet kunne naturligvis ikke annet enn påvirke kunsten. Kunstkritikere hevder at krigen hadde en dyp effekt på måten kunstnerne fremstilte sorg på, sammenlignet med 1800 -tallet. I motsetning til viktoriansk sorg, hvor individuelle familier opplevde individuell sorg, led nesten alle familier i Europa plutselig.

Krigsminner

En konsekvens av dette var en offisiell regjeringsinnsats for å "skape en passende visuell kultur for sorg." De klassiske, allegoriske begravelsesfigurene som var så elsket av viktorianerne, falt av moten. I deres sted var krigsminner som understreket det vanlige nasjonale offeret fremfor tapet av enkeltpersoner.

Cenotaph War Memorial nær Whitehall, London, designet av Edwin Lutyens, er et arketypisk eksempel på denne nye tilnærmingen: I stedet for menneskeskikkelser er det en tom kiste som kan knyttes til enhver soldat. Sorgende familier kan bruke det som et universelt symbol.

Taryn Simon laget installasjonen "Occupation of Loss", som deltok av 21 "profesjonelle sørgende" fra forskjellige kulturer

Sorgens allsidighet er fremdeles et tema adressert av samtidskunstnere. Tidligere i år mottok den amerikanske fotografen Taryn Simon strålende anmeldelser for sin liveinstallasjon Occupation of Loss, oppført i en underjordisk hall i Nord -London. For arbeidet, som hadde premiere i New York i 2016, inviterte Simon 21 "profesjonelle sørgende" fra hele verden, inkludert Albania, Aserbajdsjan, Ecuador, Ghana og Venezuela. Publikum kunne lytte til hver av disse kvinnene.