Hvordan Amazonas av den russiske avantgarden erobret Paris og utover: Natalia Goncharova

2024 Forfatter: Richard Flannagan | [email protected]. Sist endret: 2023-12-16 00:14

Natalia Goncharova er en fremragende russisk kunstner, designer og forfatter. Hun ble berømt over hele verden takket være hennes lyse, saftige og ekstraordinære verk som kombinerer flere stiler: fra Fauvisme og kubisme til futurisme og jugend. Hun var også kjent for sine kostymer og sett for ballett og teater, som var slående i sin allsidighet og design som var uvanlig for den tiden.

I løpet av de to første tiårene av 1900 -tallet absorberte russisk kunst nye stiler og filosofi for vesteuropeisk kunst og flyttet til kulturfronten. Goncharova og mannen hennes Mikhail Larionov, med sitt arbeid og innsats for å organisere utstillinger og kreative team, befant seg i sentrum for denne kunstneriske revolusjonen, som gikk foran og fulgte med den politiske omveltningen i landet.

Natalia ble født i Nagaevo i Sentral -Russland. Goncharov -familien mistet formuen basert på linproduksjon på slutten av 1700 -tallet. Den berømte poeten Pushkin giftet seg med en av hennes forfedre, Natalia Goncharova, som hun ble oppkalt etter. Faren hennes var arkitekt. Familien til Natalias mor, Belyaev -familien, fødte flere prester og var kjent som lånetakere for musikk.

I de første årene gikk Natalya på en gymsal i Moskva. Og i en mer bevisst alder, etter å ha bestemt seg for å bli kunstner, gikk hun inn på School of Painting, Sculpture and Architecture (Moskva), hvor hun studerte skulptur med Pavel Trubetskoy, som jobbet i stil med Auguste Rodin. Hun forlot college tre år senere, til tross for at hun vant en sølvmedalje og ikke fullførte en tiårig studieperiode for læreplanen. Dette falt sammen med hennes aksept av maleri som hennes foretrukne uttrykksmedium.

1. Karriere og mann

I 1900 møtte Goncharova sin fremtidige ektemann, Mikhail Larionov. Han gikk også på høyskole, men maleavdelingen. Beslutningen hennes om å begynne å male ble støttet av Mikhail, hennes lidenskap for lysets lek og farges harmoni i fremtiden ble kunstnerens kjennetegn.

I likhet med mange russiske artister på sin tid, var de første årene av det tjuende århundre en periode med bekjentskap og aksept av stilene som utviklet seg i hovedstedene i Vest -Europa. På den tiden ble hun tiltrukket av impresjonisme og divisjonisme, stiler knyttet til henholdsvis Monet og Seurat. Begge stilene understreket ikke bildet av faste objekter, men fangst av lys (farge) som ble reflektert fra objektet til øyet. Som et resultat var tegningen vanligvis løs, og det ble lagt vekt på farge så vel som malestrøk. Dette førte til en bevissthet om maling, penselstrøk, tekstur og maling på lerret. Disse to stilene var avgjørende for å frigjøre kunst fra en rent representativ karakter. Kunstnere begynte å innse at kunst er et estetisk uttrykk, inspirert av utseendet til den fysiske verden, men ikke avhengig av den.

En gang organiserte den store russiske ballett impresario Diaghilev inkluderingen av malerisamlingen av Goncharova og Larionov i den russiske delen av høstsalongen i Paris. Deres inkludering i denne nyetablerte årlige utstillingen av ny radikal kunst (samme år 1906 ble den første gruppen Fauves presentert der) vitner om at begge kunstnerne ble ansett som modeller for avantgardetendensene i landet deres. De neste ni årene, før hun emigrerte fra Russland, deltok Natalia på en rekke viktige utstillinger, hvorav mange av dem hun og Mikhail organiserte. I løpet av denne perioden ble hun også presentert på post-impresjonistisk utstilling i 1912 organisert av Roger Fry i Grafton Gallery i London, samt på personlige utstillinger i Moskva og St. Petersburg, og på en utstilling i Paul Guillaume Gallery i Paris med katalogen til den berømte kritikeren Apollinaire.

2. stil av distriktisme

Det halve århundret som gikk før starten på krigen var en periode med rask utvikling av kunst i Russland. Natalia var i spissen for denne bevegelsen.

Overraskende ble tre forskjellige retninger samtidig manifestert i arbeidet hennes: regionalisme, nyprimitivisme og kubofuturisme.

Den første av dem er den originale stilen unnfanget av Mikhail og grundig undersøkt av Natalia.

Distriktisme var på den tiden en av de helt abstrakte stilene i vestlig kunst. Som impresjonisme konsentrerer regionalismen seg om lysstrålene som reflekteres fra objekter. Plassen i bildet av en stråling er ikke målbar, men er en atmosfære ladet med energien til et uendelig antall lysstråler, enten direkte fra solen, eller, mer sannsynlig, stråler som reflekterer frem og tilbake fra fysiske objekter rundt den. Veiledningsprinsippet er rent estetisk ved at farger velges for deres harmoni eller visuelle effekt.

I mer enn tre tiår har kunstnere blitt fascinert av ideen om å lage ikke-figurativ kunst basert på orkestrering av farger. Hvis musikken er helt abstrakt og samtidig uendelig uttrykksfull, kan det ikke være en kunst som bruker farge (i stedet for lyd) som ville være like abstrakt og uttrykksfull.

I stedet for de fragmenterte, sammenkoblede formene som finnes i kubisme, er Cats -serien basert på lange, kutte fargeslag. Distriktsisme var en kortvarig stil som nådde slutten i 1914. Franz Marc, tilknyttet München Blaue Reiter (som Natalia hadde stilt ut med to år tidligere), beundret arbeidet hennes og skrev på en måte inspirert av distriktisme, muligens på grunn av hennes innflytelse.

3. Primitivismens stil

Uhemmet og rastløs og søkte ny inspirasjon, stolte hun også sterkt på tidlige kubistiske malere som Pablo Picasso en stund. Denne fasen i arbeidet hennes varte i flere år og dekket maleriet hennes, inspirert av den russiske tradisjonen.

Men illustrasjonene hennes til flere poesibøker av Velimir Khlebnikov og Alexei Kruchenykh viste hennes hengivenhet for gamle russiske kunstformer som ikoner, religiøse fresker og tresnitt. I 1913 erklærte hun dramatisk at hun vendte seg bort fra Vesten og ga henne sympati med øst.

På en av hennes tidlige utstillinger ble primitivistiske og kubistiske malerier presentert, og på en senere utstilling, organisert av mannen hennes, ble mer enn femti verk av Natalia stilt ut. Hun hentet inspirasjon til primitivisme fra russiske ikoner og folkekunst, ellers kjent som populære trykk. Den andre, senere utstillingen ble oppfattet som et bevisst brudd med europeisk kunstnerisk innflytelse og opprettelsen av en uavhengig russisk skole for samtidskunst. Arrangementet viste seg å være kontroversielt, og sensoren konfiskerte Natalias religiøst-tematiske verk "Evangelists", og vurderte det som blasfemisk å vise det på en utstilling kalt "The Donkey's Tail". Natalia og Mikhail har lenge blitt forfulgt for sine arbeider og måten de uttrykte seg på. Men selv i de senere verkene til Natalia er innflytelsen fra russisk futurisme merkbar. Natalia ble opprinnelig fascinert av ikonemaleri og primitivismen til etnisk russisk folkekunst, og ble berømt i Russland for sitt futuristiske arbeid (hvorav det ene var et maleri kalt The Cyclist).

Natalia og Mikhail, som malte ansiktene sine med hieroglyfer og blomster, gikk på gata som en del av en primitivistisk kunstnerisk bevegelse. Natalia selv var fra tid til annen ikke redd for å vises offentlig naken med symboler på brystet. Som ledere for futuristene i Moskva arrangerte de provoserende foredragskvelder på samme måte som deres italienske kolleger. I tillegg skrev og illustrerte Natalia flere avantgarde-bøker.

Natalia har vært medlem av Blue Rider avantgarde-gruppen fra den første dagen av stiftelsen (1911). Fire år senere begynte hun med utvikling av ballettdrakter og sett i Genève. Og snart begynte hun å jobbe med en serie skisser for Diaghilevs ballett, men dessverre ble balletten aldri realisert.

Noen år senere flyttet hun til Paris, hvor hun laget en rekke sett for Diaghilevs russiske balletter. Hun stilte også ut på Salon d'Automne og deltok jevnlig i Salon des Tuileries og Salon of Independents.

Natalia og Mikhail samarbeidet om fire veldedighetsarrangementer i Moskva. De utviklet begge de fleste reklamematerialene for arrangementet.

4. Nyprimitivismens stil

Parallelt med rayonismen skrev Natalia i en stil som nå kalles nyprimitivisme. Det var et fenomen som tidligere hadde funnet sted i Frankrike og andre steder og ser ut til å være relatert til en endring i politiske, sosiale og kulturelle ambisjoner. Kombinert med demokratisering av politisk og sosial tanke, har det ofte vært en tendens til å prøve å oppdage den dypere karakteren til nasjonale kulturer ved å vende seg til tradisjonell folkekunst eller bondekunst for inspirasjon. På grunn av familiens kirkelige bakgrunn og det faktum at hun tilbrakte ungdommen på et landsted, ville Natalia bli tiltrukket av tradisjonell religiøs og folkekunst som en del av hennes formative opplevelse og som billedkunsten til sine landsmenn. Dette var perioden da intelligentsia begynte å se på ikoner (russiske liturgiske bilder) som en viktig nasjonal kulturarv. Den store Romanov -utstillingen med ikoner begeistret mange estetisk sensitive mennesker.

Natalia har skrevet om religiøse temaer i en årrekke og følt at den intenst religiøse meningen og betydningen av ikoner er et av de viktigste målene for en kunstner å fange i arbeidet sitt. De rike fargene, de blendende dekorative effektene og ikonets sterkt formaliserte og stiliserte natur har allerede inspirert henne til å jobbe.

Dette fikk henne til å ty til en måte som ikke var knyttet til akademisk praksis. I tillegg til å understreke de flate, dekorative kvalitetene, så det noen ganger ut til at malingen sprutet over overflaten eller ble påført raskt for en spontan effekt. Sjarmen og naiviteten, som tidligere ble sunget i Henri Rousseaus maleri, dukket opp i den russiske kunstnerens verk, og som er veldig viktig for henne, ble lånt fra lokale kilder.

5. Kubofuturismens stil

Mellom 1913 og 1914 dukket cubo-futurisme, aspekter av de daværende moderne stilene kubisme og futurisme, opp i Natalias maleri. Kubisme var kjent for russiske kunstnere gjennom publikasjoner, utstillinger og samlinger som Morozov og Shchukin -samlingene. Kubisme var ambivalent mot farge til fordel for en ny følelse av struktur-fragmentering og kohesjon av form, noe som resulterte i en jevnt animert sammensetning der forholdet mellom figur og grunn elimineres.

Italiensk futurisme hadde også en følge i Russland i årene umiddelbart før første verdenskrig.

Hennes futurisme, som for italienerne, var full av farger. Følelsene av bevegelse ble forårsaket av rytmiske gjentakelser av figurer eller linjer. Inkluderingen av fargede ord eller ordfragmenter som om de var fra tegn og en del av miljøet personen passerte gjennom, bidro ytterligere til denne oppfatningen. Lydbølger ble også antydet av rytmiske effekter og noen ganger ved bruk av musikalsk notasjon.

6. De siste leveårene

Natalia tilbrakte resten av livet i Paris, anerkjent som et viktig medlem av byens kunstneriske samfunn. Hun fortsatte å male, men hennes mest bemerkelsesverdige arbeid var innen scenografi. På dette området ble både hun og Michael verdensstjerner. Natalia identifiserte stadig mer arbeidet sitt med Frankrike. I 1936 deltok hun og Mikhail i en viktig internasjonal teaterkunstkonkurranse som ble holdt i Milano. De foretrakk å stille ut arbeidet sitt i den franske delen fremfor den sovjetiske delen, og da de vant sølvmedaljen, var det Frankrike som gikk til dem.

Etter invasjonen av Frankrike av Adolf Hitler våren 1940, befant Natalia og Mikhail seg under tysk okkupasjon. I de vanskelige årene som fulgte klarte de begge å fortsette karrieren i teatret. Deretter minnet en utstilling av deres partiske malerier i Paris publikum om deres fremtredende rolle i utviklingen av samtidskunst ved århundreskiftet. Som noen har hevdet, overgikk de to kunstnerne bevisst noen av arbeidene sine, noen ganger med mer enn et tiår, for å befeste sitt rykte som banebrytende artister.

Mikhail fikk et slag, og ektefellenes økonomiske situasjon, som aldri hadde vært spesielt behagelig, ble enda mer prekær. De overlevde delvis ved å selge sine tidlige malerier. Natalia led også mange fysiske plager, inkludert en alvorlig form for leddgikt, noe som gjorde det umulig å trekke på et staffeli. Fortsatt med å demonstrere sin engasjement for arbeidet, la hun lerretet foran seg i en jevn stilling for å fortsette å manipulere børsten.

Natalia gjorde sitt siste forsøk på teaterdesign i 57. Den besto av kostymer og sett for en serie balletter i Monte Carlo. Et år senere holdt hun den siste utstillingen av maleriet sitt i Paris, og viste rundt tjue lerret inspirert av den russiske oppskytingen av romersatellitten Sputnik.

Paret var fortsatt plaget av økonomiske problemer. Bare salget av en betydelig del av biblioteket og ektefellenes arbeider til Victoria and Albert Museum i London bidro til å opprettholde deres soliditet.

Natalia døde av kreft i Paris. På hennes gravstein stod det ganske enkelt skrevet at hun var kunstner og maler. Mikhails død kom like etterpå. Han ble begravet ved siden av henne med den samme inskripsjonen på gravsteinen.

Fortsetter temaet maleri - seks verdensledere som ble berømt ikke bare i politikkenså vel som i kunsten.