Hvordan sønnen til samuraien Matsuo Basho glorifiserte den japanske tre-linjers haikuen over hele verden

2024 Forfatter: Richard Flannagan | [email protected]. Sist endret: 2023-12-16 00:14

Haiku (hokku) er fortsatt populært hovedsakelig på grunn av det faktum at det perfekt formidler undertekstene til det morsomme, lar deg oppnå morsom underdrivelse - et par uttrykksfulle slag, en referanse til den mystiske orientalske naturen - og vitsen er klar. Men da haikuen, som først bar navnet "hokku", dukket opp i japansk kultur, var hans rolle nettopp det - en komisk. Men takket være poeten Matsuo Basho steg haiku -sjangeren til høyden i japansk kunst - det viste seg at "", med ordene til en annen berømt haikuforfatter, eller haijin, Masaoka Shiki.

Matsuo Basho - haijin

Røttene til japansk poesi, som det passer seg for alt denne kulturen er kjent for, går tilbake til den dype fortiden. Sjangeren som haiku kom fra, regnes for å være poesien til renga, eller tanka, i form av fem vers, inkludert nøyaktig 31 stavelser. Denne formen for versifikasjon har vært kjent i Japan siden 800 -tallet. Og isolasjonen av haiku som en egen sjanger av poetisk kunst skjedde på 1500 -tallet.

Først hadde de tre versene karakter av et komisk verk, ble betraktet som en "lett" diktgenre, men siden 1600 -tallet har det semantiske innholdet i haiku endret seg - årsaken var arbeidet til poeten Matsuo Basho, som regnes som hovedpoeten i denne sjangeren i hele sin historie.

Matsuo Jinsichiro, den fremtidige poeten Basho, ble født i familien til en fattig samurai i 1644. Fra en tidlig alder var han interessert i poesi, som på den tiden var tilgjengelig ikke bare for eliten, men også for japanerne av små midler. I en alder av tjue begynte han å studere litteratur i byen Kyoto, og tvunget til å tjene sitt eget brød, gikk inn i tjenesten til den edle samuraien Todo Yoshitade, som også var fan av litterær kunst og amatørpoet. Etter sin herres død i 1666 havnet Matsuo i offentlig tjeneste, hvoretter han begynte å undervise i poesi. Far og eldre bror Matsuo var også lærere - de lærte kalligrafi til velstående aristokrater og deres familiemedlemmer.

I 1667 ble Bashos første dikt utgitt, og ekte berømmelse kom til ham i 1681, da hans tre-vers om ravn ble utgitt:

LES OGSÅ: Hoflig poesi og elendig samurai: Hva huskes japanske damer og herrer fra Heian -tiden?

I denne oversettelsen av Konstantin Balmont er en viss unøyaktighet tillatt - en "tørr" gren blir til en "død" en her - for å forsterke inntrykket av haikuen. En annen allment akseptert oversettelse anses å være laget av Vera Markova:

Et tilleggsord dukket opp her - "ensomt" - av de samme grunnene.

Krav til klassisk haiku og avvik fra reglene

Generelt sett er det bare i den vestlige tradisjonen haiku skrevet på tre linjer. De originale japanske diktene var hieroglyfer avbildet fra topp til bunn på siden. Samtidig er det flere krav til haiku som må oppfylles for å klassifisere et verk spesielt i denne sjangeren.

Linjene rimer ikke. Haiku består av 17 stavelser, de fordeles i et forhold på 5-7-5, hver del er atskilt fra den neste med et delende ord-som er en slags utropspartikkel. I oversettelser til europeiske språk spilles rollen som kireji vanligvis av linjeskift og skilletegn. Klassisk haiku inneholder en refleksjon av naturen i øynene til en person, en poet, dette er et registrert inntrykk av det han så eller hørte. I teksten må det være en indikasjon på årets sesong - - ikke nødvendigvis direkte, det kan også være en kontekst som lar deg bestemme når det poeten beskriver, skjer.

Haiku har som regel ikke et navn og beskriver bare det som skjer i nåtiden. Likevel brøt Basho selv gjentatte ganger disse reglene - kravene deres er ikke absolutt kategoriske hvis selve essensen av diktet tilsvarer ideen om haiku. Det viktigste poeten streber etter er å formidle inntrykket av øyeblikket i sytten stavelser. I haiku er det ikke noe sted for verbositet, kompliserte bilder, mens leseren av teksten åpner for en dyp filosofisk betydning - i en helt orientalsk ånd.

Her er Matsuo Bashos haiku som gjorde poeten berømt i århundrer:

(oversatt av T. P. Grigorieva)

Diktet ble utgitt i 1686 og frem til i dag har forårsaket og forårsaker diskusjoner blant kunstkritikere om tekstens sanne betydning. Seks ord, hvorav bare ett er et verb - en handling - gir opphav til en rekke tolkninger: og om kontemplasjon, som fanget poeten og ble avbrutt av en stille lyd; og om stillestående vann, som symboliserer fortiden; og om den dystre pessimismen til dikteren, for hvem en frosk, en padde er noe som ikke bringer noe lys inn i livet - og mange andre forsøk på tolkning, som imidlertid på ingen måte kan overskygge den enkle sjarmen til tre korte linjer.

Dessuten, både for japanerne og for de som er kjent med europeernes østlige kultur, i disse tre enkle slagene kan man for eksempel se bildet av et gammelt buddhistisk tempel, fylt av stillhet og langt fra byens mas. Interessant nok tok Basho hensyn til beskrivelser av lyder i verkene hans ganske ofte - de er nevnt i hundre og ti dikt (av totalt omtrent tusen haiku av Basho).

Påvirkning av Bashos kreativitet

Matsuo Bashos liv ble brukt i fattigdom, selv i fattigdom, men som buddhist aksepterte han denne stillingen med likegyldighet. Han bodde i en enkel hytte som en av studentene hadde bygget for ham. Foran hytta plantet dikteren et banantre - "", dette ordet ble et pseudonym. Basho ble beskrevet som moderat, omsorgsfull og lojal mot familie og venner, men han søkte sjelefred hele livet, noe han gjentatte ganger bekjente overfor studentene sine. En dag i 1682, under en brann i byen Edo, der poeten bodde, brant hytta hans, og med den et banantre. Og til tross for at poeten et år senere igjen hadde en hytte og et banantre ved inngangen, kunne ikke Bashos sjel finne hvile. Han forlot Edo - moderne Tokyo - og dro på en vandretur i Japan. Det var som poet-vandrer at han senere skulle gå inn i litteraturhistorien.

Å reise i disse dager var vanskelig, forbundet med mange formaliteter og rett og slett farlig, og under vandringene var Basho klar for at en plutselig ulykke eller sykdom ville avbryte hans vei - inkludert livet. Likevel var omstendighetene gunstige, og poeten ble mer og mer populær, dukket opp i forskjellige byer i Japan og møtte både vanlige mennesker og edle aristokrater. Med seg hadde Basho bare de mest nødvendige tingene - en stav, en rosenkrans med perler, og også en fløyte, en liten trekong og en diktsamling. Og denne minimalismen, og løsrivelse fra verden og fattigdom, som gjør det mulig å ikke bli distrahert av materialet, tok Basho fra zenfilosofien, hun fant også uttrykk i haikuen hans. Vanskelige levekår betyr ikke at sinnstilstanden skal være vanskelig - det var en av betydningene Basho la inn i arbeidet sitt.

Reiser ga ikke bare materiale til reiselapper, men også inspirasjon til ny haiku. Basho beskrev den rolige og enkle skjønnheten i verden - ikke et opprør av kirsebærblomster, men et gressblad som bryter ut under bakken, ikke den storslåtte storheten i fjellene, men de beskjedne omrissene av en stein. Matsuo Bashos helse, enten det var fra vandringer eller fra askese, var svak - han døde, etter å ha levd bare et halvt århundre. Det siste diktet poeten skrev var den såkalte "Death Song":

(Oversatt av Vera Markova)

Navnet Basho har hatt anerkjennelse og stor respekt i Japan i flere århundrer. På 1800 -tallet ble Bashos kunstneriske teknikker revidert av en annen fremragende poet, Masaoka Shiki, som til tross for sitt korte liv åpnet sin egen haikuskole, der Bashos arv ble studert som grunnlaget for japansk poesi. Han utviklet også en litterær metode - essensen av dette koker ned til forståelsen av forfatteren av verden rundt ham. Haiku spiller i dette tilfellet rollen som ikke bare å beskrive noe som skjer foran forfatteren, det viser et lite stykke av verden gjennom prismen til dikterens indre blikk. Og det var Masaoka Shiki som blant annet foreslo begrepet "" i stedet for det tidligere "".

Interessen for haiku i Vesten oppsto tilbake på 1800 -tallet, og fra begynnelsen av forrige århundre begynte japansk poesi å bli oversatt - først til engelsk. Det har vært forsøk på å skrive haikuen på en linje, uten pause, men arrangementet av haikuen i form av en tre-linje har blitt allment akseptert. Tradisjonelt sett, når en samling publiseres, plasseres hvert dikt på en egen side, slik at leseren kan føle haikuens atmosfære og ikke distrahere ham fra å skape et mentalt bilde. Regelen om sytten stavelser blir ofte brutt under oversettelse: med tanke på språklige forskjeller kan bevaring av den nødvendige størrelsen noen ganger bare oppnås på bekostning av tekstens ekspressivitet og oversettelsens nøyaktighet.

Hvis den vestlige kunstens drivkraft tradisjonelt har vært ønsket om å skape et perfekt - fra forfatterens synspunkt - et verk, så skiller ikke østlig kunst resultatet av kreativitet fra skaperen - det er i harmoni mellom dikteren og hans tekst om at betydningen av japansk poesi ligger. Når harmonien mellom mennesket og verden rundt ham har blitt et fasjonabelt tema i Vesten, får flere trender innen japansk kunst verdensomspennende anerkjennelse. Ikebana, steinhage, teseremoni sammen med haiku legemliggjør wabi -sabi - et verdensbilde basert på ensomhet, beskjedenhet, indre styrke og autentisitet.

Japansk skjønnhet er det som er naturlig, enkelt, ekte, det som er flyktig og unnvikende. Haiku handler nettopp om skjønnheten i verden i forståelsen av japanerne. Og det må innrømmes at det var fra Japan som kom til den vestlige verden - mote for minimalisme i alt, inkludert, viser det seg og fotografier.