Hvorfor antas det at en god artist skal være fattig og ulykkelig

2024 Forfatter: Richard Flannagan | [email protected]. Sist endret: 2023-12-16 00:14

Samtidsartister har lykkes med å avkrefte myten om at de absolutt må se eksentriske ut, iført en gammel basker over det lange håret og en vest. De fleste skaperne ser stilige og til og med imponerende ut. Men de klarte ikke å håndtere alle stereotypene. For eksempel er det fortsatt en tro på at en talentfull artist skal være fattig. Og absolutt lide. Enten det er ulykkelig kjærlighet, dårlige vaner eller bare livets omstendigheter, bør fattigdom ikke være den eneste lasten. Hvor kom det fra, og er kunstnere og andre skapere virkelig fattige og ulykkelige?

Hvis vi umiddelbart vender oss til fakta, bestemte UNESCO for eksempel perioden mellom å male et bilde og dets verdensomspennende anerkjennelse (selvfølgelig generelt, forutsatt at det er anerkjent) til 50 år. En enorm tid, hvis vi vurderer det i sammenheng med menneskeliv, og ikke verdenshistorie. Er det ikke derfor de fleste artistene, uten å ha mottatt anerkjennelse i løpet av livet, døde i fattigdom? Dette betyr at denne stereotypen ikke er annet enn en livsobservasjon, folkelig visdom.

Dessuten er dette prinsippet ikke bare egnet for kunstnere og deres kreasjoner, men for enhver skaper og innovatør. Det være seg en kreativ person, en matematiker eller en programmerer. Samfunnet og markedsøkonomien godtar ikke umiddelbart noe konseptuelt nytt. Selvfølgelig, hvis vi snakker om kunstnere, så hvis denne skaperen dekorerer det som selges nå, kan han tjene penger, men det er verdt å kunngjøre innovasjon, så vil alle lure skeptisk til leppene. Derfor er det en stor forskjell om en kunstner jobber for aldre eller for markedet. Imidlertid er det eksempler som beviser at det ene ikke forstyrrer det andre.

Men faktum er fortsatt at geniale kreasjoner blir til etter vanlig arbeid, og sistnevnte skiller seg overhodet ikke ut av sublimitet. Imidlertid er ikke alle skapere så kloke som regel å ha en kompleks og impulsiv natur, de gikk ikke med på slike kompromisser, som dømte dem til en dårlig eksistens.

Fattige mennesker og dollarelskere

Salvador Dali kalte seg en "Dollar Lover", og skisserte derved sine egne ambisjoner. Han gjorde navnet sitt til et merke i løpet av livet og brukte det aktivt. Selvfølgelig, uten hans talent, hadde oppmerksomheten ikke blitt trukket til ham, men vi skulle hylle hype som han omringet seg med, ville være misunnelse av moderne kjendiser. Hva er historien hans med kona Gala. Tross alt ville resten av mennene synes det var skammelig å avsløre slike detaljer om familielivet, men Dali fortalte villig til alle, inkludert i et intervju, at kona hans bor med elskere i et slott i nærheten, og han selv kommer bare til henne etter invitasjon.

Og denne historien som har blitt utbredt? Si, Dali, da han betalte for middag i en restaurant, laget en liten tegning på baksiden. En restaurantsjekk kostet mer enn selve lunsj, så den ble aldri innbetalt. For artisten var det ingenting verdt.

Til tross for at han aldri jobbet for lave lønninger, mottok han alltid et stort antall bestillinger. Dette førte ofte til at han brakte ned sitt eget marked og reduserte kostnadene for individuelt arbeid. Imidlertid begynte han å jobbe enda hardere, i stedet for å ta seg tid, bokstavelig talt oversvømme markedet med malerier, skisser, illustrasjoner, møbelprosjekter.

Når andre kjendiser ikke engang hadde tenkt på å filme i reklame, hadde Dali allerede anbefalt å kjøpe et bestemt merke sjokolade fra skjermene. Så var det en annonse for et bilmerke, et flyselskap og til og med tyggegummi. Imidlertid avslørte en skikkelig skandale i tollen holdningen til Dali til penger - han elsket det veldig godt.

En håndgripelig inntekt ble brakt ham av grafikk, som han bekreftet med sin egen signatur. Men som det viste seg, ville han ikke tegne hver for seg. De ble trykt på en metallplate, og tomme ark signert med en måler ble forberedt på forhånd. Det var dem i mengden av 40 tusen eksemplarer som ble funnet hos tollvesenet. Arkene var billige, men Dali signerte dem veldig raskt. I gjennomsnitt kan han registrere opptil 70 tusen dollar i timen.

På begynnelsen av 1900 -tallet ble kunstnermiljøet stilltiende delt inn i de som jobbet (eller i det minste søkte) for å jobbe like økonomisk produktivt som Salvador Dali, og de som hedret utelukkende ukjente tiggergenier som Vincent van Gogh. I løpet av livet solgte han for et mer eller mindre anstendig beløp på 400 franc sitt eneste verk "Red Vineyards". Alle andre verk ble evaluert etter hans død. Han klarte ikke bare å tjene, han kunne ikke engang skaffe seg noen anstendig eksistens.

Familien hans fordømte ham alltid, samfunnet forsto ikke og godtok ikke, og det eneste som trøstet ham var å male. Han jobbet veldig hardt, selv om dette ikke kan kalles arbeid, fordi han aldri mottok betaling for maleriene. Er det mulig å akseptere posthum berømmelse og evighet i etterkommernes minne som betaling?

Van Gogh skrev at hvis han kunne tjene minst tusen franc i året, ville han ha begynt å male på en kilometer og med enda større glede, men dette skjedde ikke, og den strålende artisten forlot med harme og ukjent talent.

Et idealisert bilde av en sulten artist

For å være helt ærlig var det ikke bare artistene selv som hadde en hånd med å idealisere bildet av det ukjente geniet. Franz Kafka beskriver i sin historie "Sult" en mann som hadde en veldig særegen holdning til kunsten (imidlertid som Kafka selv) og hele essensen av hans selvuttrykk var i en sultestreik. Nå ville det bli kalt en forestilling, men tilsynelatende på den tiden ble de ikke virkelig oppfattet, fordi folk så, så på artisten dø av sult og deretter bar ut kroppen hans med en haug med halm.

Kafka demonstrerer ironisk nok sin holdning til fagforeningen "artist-money", og tror at et ekte geni og skaperen må lide, "sulte" for sin visjon om kunst. Og hvis han tjener godt, blir godt matet, har velstand og er i harmoni med den nåværende regjeringen, så er han en tjener for kapitalistene. Det virkelige geniet er alltid ukjent i løpet av hans levetid, og helst tiggere.

Knut Hamsun i romanen "Sult" hadde også en hånd med å skape det samme bildet, og beskrev forfatteren med hallusinasjoner fra sult. Hemingway mente også at en forfatter skulle være sulten for bedre å tenke på det evige, for å være et skritt over sine spiste lesere. Imidlertid slapp forfatteren selv strålende avslappende på alpinanlegg og levde lykkelig noensinne, i det hele tatt ikke strebe etter en asketisk livsstil.

Kanskje fattigdom til en viss grad løser hendene til skaperne av malerier og ikke bare. En kunstner, ukjent av noen, vil skape på den måten som står ham nær, uten å prøve å imponere kritikere, uten å ta hensyn til fremtidige kjøpers ønsker og mye mer. Han har muligheten til å eksperimentere uten å se tilbake på sine kollegers mening, han er ikke redd for at publikum ikke vil godkjenne (hun godkjente ikke mer), han tar fatt på forståelsen av dype temaer og evige verdier. Er dette ikke forutsetningen for å lage et mesterverk?

Andre oppfatter fattigdom som frihet, for hvis en kunstner gir seg selv til å male, uten å bry seg om banalt og rutinemessig arbeid på markedet, så har han mye mer tid til eksperimenter og maling selv. Pablo Picasso sa at "inspirasjon eksisterer og kommer under arbeidet." Det vil si at du ikke skal ligge på sofaen og vente på musens ankomst, som vil lede med hånden til lerretet og la deg tegne et mesterverk verdt millioner.

Rockmusiker Nick Cave sa at inspirasjon ikke finnes i det hele tatt. Når han kalte kreativitet, reduserte han ikke rollen som talent minst. Men talent alene er ikke nok, du trenger utholdenhet og arbeid. Mye arbeid. Først da skjer det strålende ting. Derfor er anbefalingen "å skape evighet etter arbeid" snarere en teoretisk formulering, praktisk talt urealiserbar i virkeligheten.

Lidelse og frykt for artisten

Det eneste som alle, uten unntak, forventer av kunstverk - følelser. Glede, glede, skrekk, avsky, frykt - det er ikke viktig, det viktigste er at energien kommer fra bildet, ellers, hvorfor er det alt? Kan en kunstner som sov, spiste en solid og velsmakende frokost, hvis hus er fullt, hans elskede kone er opptatt med middag, og barn (nødvendigvis friske og heteroseksuelle) fyller huset (sikkert lyst og romslig, bygget for egen avgift) med deres stemmer og latter, plutselig lager et mesterverk som ville snu andres sjeler ut og inn? Tvilsom.

Mange artister akkumulerer bevisst negative følelser: frykt, sinne, harme, de hjelper til med å gi arbeidet sitt det nødvendige nivået av energi og skarphet. Disse problemene hadde imidlertid ingenting å gjøre med deres talent, men stammet snarere fra deres sosiale status og livsstil. Den samme van Gogh led av psykiske lidelser fra barndommen og lidelse var en del av livet hans.

Ofte har genier psykiske lidelser. Sistnevnte, til tross for at de faktisk ødelegger personligheten, i de beste periodene, kan bli årsak og grunnlag for skapelsen av mesterverk eller vitenskapelige funn. Men er dette en tilstrekkelig betaling for mange års lidelse, pine, angst og depresjon? Schizofreni, bipolare lidelser, angst, depresjon - alt dette kan og presser en person mot uttrykk gjennom kunst, men gjør livet, både av personen selv og hans nærmeste, rett og slett uutholdelig. Ofte endte genienes liv med selvmord - nok et bevis på at lidelsen var uutholdelig.

Russisk kunstartel

I 1963 forlot hele 14 kunstnere Russian Academy of Arts. Og dessuten med en skandale. De fikk ikke anledning til å velge emnene til maleriene som skulle sendes til konkurransen. Så mange kunstnere, som kjente hverandre og plutselig frigjorde seg fra hovedyrket, bestemte seg for å grunnlegge sitt eget samfunn. De forenet seg i en artel og prøvde å tjene penger med det de visste hvordan - ved å male bilder, inkludert å bestille.

De ga til og med en slags annonse i aviser med en indikasjon på listen over tjenester de tilbyr og kostnadene. Utvalget av tjenester var veldig mangfoldig, kunstnere og ikonostaser, og portretter og malerier malt. Og alt dette med oljemaling og akvareller og pasteller. Det ble også tilbudt veiledningstjenester.

Livet i en artel kostet artisten omtrent 25 rubler i måneden, og det kollektive søket etter bestillinger var en veldig god idé og ga et godt overskudd. For eksempel startet prisen for portretter fra 75 rubler og mer. For det meste var prisen avhengig av kunstnerens erfaring og talent, navnet hans, og ikke størrelsen på lerretet.

Mange kunstnere, hvis lerret tilhører verdens mesterverk og nå er verdsatt til en formue, ble faktisk skapt av mestere som lager kunst for kunstens skyld. Bevisstheten deres, som ikke passer inn i normalitetens rammer, og derfor ikke-anerkjennelse av talentet deres i løpet av livet, ble for mange årsaken til at navnene deres ble foreviget i historiens annaler. Etterkommere, som om de føler seg skyldige før genialet, dyrker talentet sitt, ser Guds gnist i hans kreasjoner, og den tragiske historien om fattigdom og deprivasjon utfyller bare helhetsbildet.

Ofte hadde genier, i tillegg til en kompleks karakter og rariteter, også mentale avvik. Noen genier fra Sovjetunionen, som satte sine spor i vitenskap og kunst, skylder mer sannsynlighet dette for deres schizofreni, noe som gjør det mulig å tenke utenfor rammen..