Temaet til den fortapte sønnen i maleriene til Rembrandt: den største utviklingen av mesterens liv og verk

2024 Forfatter: Richard Flannagan | [email protected]. Sist endret: 2023-12-16 00:14

Rembrandt Harmenszoon van Rijn var den største artisten ikke bare i den nederlandske gullalderen, men av all verdens kunst. Kjent som "lysets maler", brukte Rembrandt sine uovertrufne tekniske ferdigheter, kunnskap om menneskelig anatomi og tro for å uttrykke dype følelser og tidløse sannheter. Den bibelske plottet til den fortapte sønnen krever spesiell oppmerksomhet, noe som gjenspeiler kunstnerens personlige og kreative transformasjoner.

Biografi

Rembrandt Harmenszoon van Rijn ble født i en middelklassemøllerfamilie i 1606, og forlot som mange andre den gangen farens hus og reiste til storbyen (Amsterdam) for å lykkes. Hans talent og ferdigheter har tjent ham godt. Artisten laget utrolig realistiske portretter av velstående kjøpmenn, skipsbyggere, lokale politikere og deres familier. Rembrandt sikret seg et utmerket rykte og betydelig inntekt i de første årene av karrieren.

På den tiden ble bibelske emner ansett som relevante for høy kunst, men enda viktigere for Rembrandt, Bibelen ble for mesteren et verktøy for å forstå og tenke over menneskets ånd. Kristi lignelse om den fortapte sønnen er en historie fra Lukas -evangeliet 15:13: "Etter noen dager dro den yngste sønnen til et fjernt land, og der kastet han bort eiendelene sine og levde oppløst." Handlingen inspirerte ofte kunstneren gjennom hele livet, spesielt i to malerier - "Den fortapte sønn i en taverna" (1637) og "Den fortapte sønns retur" (1669). To malerier - to utgangspunkt i biografien - to evolusjoner av arbeidet og livet til mesteren selv.

"Den fortapte sønnen i tavernaen"

Det første verket "Prodigal Son in a Tavern" gjenspeiler den lykkeligste tiden i kunstnerens liv. Maleriet ble malt i 1637, da Rembrandt var 31 år gammel, giftet han seg nettopp med en vakker, velstående ung kone - Saskia. Venstre side av lerretet ble antagelig skåret av kunstneren selv. Det var avbildede mindre karakterer, og Rembrandt ønsket å rette observatørens oppmerksomhet mot hovedtemaet. Utstilt på Dresden Gallery (Tyskland).

Rembrandt fremstilte seg selv i et selvportrett som en skjebner og skjebnenes kjære midt i sin kreative berømmelse, personlige lykke og utallige gleder, med et glass i hånden og med sin elskede kvinne. Forresten, heltinnen - Rembrandts kone - Saskia. Rembrandts velstand, i likhet med det rasende bildet av den fortapte sønnen fra Bibelen, varte ikke lenge. Artisten levde overdådig og overdådig, forutsatt at de gode tider ville vare evig. Men han tok feil. Da arbeidet begynte med The Return of the Prodigal Son, hadde Rembrandt gått konkurs. Hans elskede kone døde, den tidligere populariteten forsvant og artisten ble innhentet av fattigdom. En betydelig symbolsk detalj er et skiferbrett på veggen, som indikerer at du før eller siden må betale for alt. Dette er et lite hint fra artisten til publikum, og minner om at denne historien har en fortsettelse.

Finalen i Rembrandts lignelse er den andre versjonen, skrevet i 1669. Og hos henne er det ganske vanskelig å kjenne igjen en blek, avmagret, fysisk og moralsk ødelagt person som vender tilbake til sin far. Han forlot det i ungdommen, da han var en gambler, en hensynsløs nytelsessøkende som sløste bort sin andel av arven til siste krone. Kunstneren malte dette verket bare noen få måneder før hans død.

"Den fortapte sønns retur"

Det siste store maleriet av Rembrandt, The Return of the Prodigal Son, ble malt i 1669. Nå er den utstilt i Eremitasjen. Det er en monumental visning av overveldende kjærlighet og tilgivelse. Karakterene er avbildet i full størrelse. Hvis du ser på bildet og står foran det, kan du virkelig føle hvordan den milde omfavnelsen til far omfavner betrakteren. Fra en bevisst mørk bakgrunn av rike brune og fløyelsaktige svarte, dukker tre figurer opp, badet i lys. Rembrandts telefonkort er et ukjent lys som kommer fra dypet. En lysbue strekker seg fra føttene til den fortapte sønnen gjennom hans tattered klær og barbert, bøyd hode, inn i farens armer, og lyser opp hans blinde øyne i finalen. Det neste lyspunktet er ansiktet til den eldste sønnen, som ble hos faren - dette er en prototype på samvittigheten.

Det mest betydningsfulle her er beina til den fortapte sønnen. De er sårede, nakne, skodd i de samme frynsete skoene og forteller en hel historie (festligheter - feil - fiasko - nederlag - anger). Det eneste han har igjen er en dolk på beltet (muligens en gave fra faren, som han aldri ville selge). Sønnen hviler på farens bryst, og der finner han barmhjertighet, aksept, tilgivelse og kjærlighet. Hodet hans er barbert - dette er en anelse om at han har sunket helt til bunns. Han var en fange. Mykheten i farens røde kjole og mykheten i omfavnelsen er veldig håndgripelig. Den samme røde fargen ekko i den eldre brorens klær, som forbinder faren og hans eldste sønn. Men i stedet for kjærlighet er ansiktet til storebroren fullt av forakt og fordømmelse. Han står til side, grusom og ubevegelig. Hva skjedde med hovedpersonen? Med sin selvtillit og nydelige dyre klær? Alt som var meningsløst gled ut av ham som skall. På bekostning av lidelse og tap … gikk sannheten opp for ham.

I Holland, et protestantisk land, hvor kirker ikke hadde malt alter, og store malerier om religiøse temaer sjelden ble malt, skapte Rembrandt frivillig et monumentalt mesterverk der maleteknikken fikk en åndelig karakter. Kunstneren, i temaet til den fortapte sønnen, avslørte utviklingen av hans liv og verk. Han satte seg bokstavelig talt foran den siste dommen. Man kan absolutt være enig med en rekke kritikere som kalte "The Return of the Prodigal Son" tidenes største maleri.