9 mesterverk av strålende kunstnere som inspirerte flotte motedesignere og laget unike samlinger

2024 Forfatter: Richard Flannagan | [email protected]. Sist endret: 2023-12-16 00:14

Gjennom historien har mote og kunst gått hånd i hånd for å skape en flott kombinasjon. Mange motedesignere har lånt ideer fra kunstneriske bevegelser til samlingene sine, noe som har gjort at mote kan tolkes som en kunstform som hovedsakelig tjener til å uttrykke ideer og visjoner. Påvirket av dette har noen internasjonalt anerkjente motedesignere laget fremragende samlinger basert på de kunstneriske bevegelsene på 1900 -tallet.

1. Madeleine Vionne

Madame Madeleine Vionne ble født i Nord-Sentral-Frankrike i 1876, og var kjent som "stilens gudinne og skreddersøm." Under oppholdet i Roma ble hun fascinert av kunsten og kulturen i de greske og romerske sivilisasjonene, og ble inspirert av gamle gudinner og statuer. Basert på disse kunstverkene formet hun estetikken i stilen og kombinerte elementer fra gresk skulptur og arkitektur for å gi en ny dimensjon til kvinnekroppen. Med sin ferdighet i drapering og skrå kjoler revolusjonerte Madeleine moderne mote. Hun konsulterte ofte kunstverk som The Winged Victory of Samothrace for sine kunstsamlinger.

Likhetene mellom mesterverket i hellenistisk kunst og Vionnes muse er slående. Dyp drapering av stoffet i stil med den greske chitonen skaper vertikale striper av lys som strømmer nedover figuren. Skulpturen ble skapt som en hyllest til Nike, den greske seiersgudinnen, og beundres for sin realistiske fremstilling av bevegelse. Den flytende gardinen i Vionnet -designet minner om bevegelsen av bølgende stoff som fester seg til Nikes kropp. Kjoler kan være som levende vesener med en sjel, som en kropp. I likhet med Winged Victory of Samothrace, skapte Madeleine kjoler som vekker den menneskelige essensen gjemt dypt inne. Klassisisme, både en estetisk filosofi og en designfilosofi, ga Vionne muligheten til å formidle sin visjon i geometrisk harmoni.

Hun ble også fascinert av samtidskunstbevegelser som kubisme. Madeleine begynte å innlemme geometriske former i sine kreasjoner og tok i bruk en annen metode for å kutte dem, kalt skråskjæring. Selvfølgelig hevdet Vionne aldri å ha oppfunnet det skrå snittet, men bare utvidet bruken. Ettersom kvinner gjorde store fremskritt i kampen for sine rettigheter i begynnelsen av det tjuende århundre, forsvarte Madeleine friheten ved å avskaffe den langvarige viktorianske korsetten fra kvinners hverdagsklær. Derfor ble hun et symbol på frigjøring av kvinner fra den bustierens begrensning og ga i stedet ut nye, lettere stoffer som bokstavelig talt strømmet på kvinnekroppen.

2. Pierpaolo Piccioli

Pierpaolo Piccioli er Valentinos sjefsdesigner og er veldig tiltrukket av middelalderens religiøse verk. Utgangspunktet for inspirasjon for ham er overgangsøyeblikket fra middelalderen til den nordlige renessansen. Han samarbeidet med Zandra Rhodes, og sammen utviklet de en inspirerende samling våren 2017. Piccioli ønsket å koble punkkulturen på slutten av 70 -tallet med humanisme og middelaldersk kunst, så han vendte tilbake til røttene og renessansen og fant inspirasjon i Hieronymus Bosch sitt maleri The Garden of Earthly Delights.

Den berømte nederlandske maleren var en av de mest fremtredende representantene for den nordlige renessansen på 1500 -tallet. I "Garden of Earthly Delights", som Bosch malte før reformasjonen, ønsket kunstneren å skildre paradiset og skapelsen av menneskeheten, den første fristelsen til Adam og Eva, så vel som til helvete, i påvente av syndere. I den midtre ruten ser det ut til at folk tilfredsstiller appetitten i en verden av glede. Bosch ikonografi skiller seg ut for sin originalitet og sensualitet. Hele bildet blir tolket som en allegori om synd.

I moteverdenen ble maleriet populært ettersom forskjellige motedesignere ble fascinert av motivene. Ved å blande epoker og estetikk, tolket Piccioli på nytt Bosch-symbolene med flygende gjennomsiktige kjoler, mens Rhodes skapte romantiske trykk og broderte mønstre som ligner litt på det originale kunstverket. Farger var absolutt en del av budskapet designerne ønsket å formidle. Dermed er samlingen av flygende drømmende kjoler basert på den nordlige fargepaletten med eplegrønne, blekrosa og blå robinegg.

3. Dolce og Gabbana

Peter Paul Rubens malte mesterlig kvinner med kjærlighet, læring og flid. Han presenterte sin "Venus foran speilet" som det ypperste symbolet på skjønnhet. Peter fremstilte eksklusivt hennes lyse ansikt og blonde hår, som står i kontrast til den mørkhudede hushjelpen. Speilet er et absolutt symbol på skjønnhet, som rammer en kvinne som et portrett, og samtidig subtilt understreker figurens nakenhet. Speilet som Amor holder for gudinnen viser refleksjonen til Venus som en fremstilling av erotisk tiltrekning og begjær. Rubens, som var en av grunnleggerne av barokk kunst, og hans konsept om "farger over linjer" påvirket flere motedesignere, inkludert Dolce & Gabbana. Barokkstilen avvek fra renessansens ånd, forlot ro og slankhet og søkte i stedet eleganse, spenning og bevegelse.

Motedesignere Domenico Dolce og Stefano Gabbana ønsket å lage en kampanje som skulle feire den sensuelle så vel som den romantiske siden av kvinnelig skjønnhet. Peter Paul Rubens var den mest passende inspirasjonskilden. Kreasjonene til kultduoen var i stor harmoni med kunsten til den flamske kunstneren. I denne samlingen poserte modeller med stor adel, og så ut som om de nettopp hadde steget av et av Rubens malerier. Dekorasjonene ble designet for å ligne barokkspeil og broderedetaljer. Figurenes grasiøsitet og pastellfargepaletten ble vakkert understreket av den brokaderosa kjolen. Valget av motedesignere til å inkludere en rekke modeller bidro ytterligere til kroppstypen i den tiden. De svingete linjene som Dolce og Gabbana brukte, strider mot diskriminering av forskjellige kroppstyper i motebransjen.

Dolce og Gabbana Women's Fall 2012 -kolleksjonen viser mange av funksjonene i italiensk barokkarkitektur. Denne samlingen matcher perfekt de rikt dekorerte egenskapene til den sicilianske barokkstilen. Designerne fokuserte på barokk arkitektur, sett i de katolske kirkene på Sicilia. Referansepunktet var maleriet av Rubens "Portrait of Anna of Austria". I sitt kongelige portrett er Anna av Østerrike avbildet på spansk måte. Annas svarte kjole er dekorert med vertikale striper med grønt broderi og gulldetaljer. Kunstnerisk designede kjoler og kapper laget av luksuriøse tekstiler som blonder og brokade har blitt hovedtrekk ved Dolce og Gabbana -showet, som erobret verden med sin kreativitet.

4. Cristobal Balenciaga

Cristobal Balenciaga kan kalles en sann mester som reformerte kvinners mote i det tjuende århundre. Født i en liten landsby i Spania, tok han essensen av spansk kunsthistorie inn i sine samtidige prosjekter. Gjennom hele karrieren ble Balenciaga imponert over den spanske renessansen. Han søkte ofte inspirasjon fra den spanske kongefamilien og medlemmer av presteskapet. Motedesigneren forvandlet tidens kirkevarer og klosterklær til bærbare motemesterverk.

En av hans store inspirasjoner var væremannen El Greco, også kjent som Dominikos Theotokopoulos. Når du ser på kardinal El Greco Fernando Niño de Guevara, kan du se likhetene mellom kardinalens kappe og Balenciagas design. Maleriet skildrer den spanske kardinalen Fernando Niño de Guevara fra El Grecos tid i Toledo. El Grecos ideer var lånt fra neoplatonismen i den italienske renessansen, og i dette portrettet presenterer han kardinalen som et symbol på Guds nåde. Manérismen er til stede i hele bildet. Dette er merkbart i en langstrakt figur med et lite hode, grasiøse, men bisarre lemmer, intense farger og en avvisning av klassiske mål og proporsjoner.

Balenciagas lidenskap for historiske klær er tydelig i denne ekstravagante kveldsfrakken fra 1954 -kolleksjonen. Han hadde visjonen og evnen til å finne opp former på moderne måte. Den overdrevne kragen på denne pelsen gjenspeiler den posete stilen på kardinalens kappe. Den røde fargen på kardinalens klær symboliserer blod og hans vilje til å dø for troen. Den livlige røde ble av den berømte designeren betraktet som ekstraordinær, ettersom han ofte favoriserte dristige fargekombinasjoner og levende fargetoner. Hans store nyskapning var eliminering av midjen og introduksjon av flytende linjer, enkle kutt og trekvart ermer. Ved å gjøre dette revolusjonerte Balenciaga kvinners mote.

Designeren introduserte også armbåndslengdehylser som tillot kvinner å vise smykkene sine. På 1960 -tallet, med den gradvise introduksjonen av kvinner i arbeidsbransjen, hadde Balenciaga en idé om å gi trøst, frihet og funksjonalitet til kvinnene han kledde. Han fremmet løse, komfortable kjoler som stod i kontrast med dagens formstilte silhuetter.

5. Alexander McQueen

Østerriksk kunstner, mester i symbolikk og grunnlegger av den wienske løsrivelsesbevegelsen, Gustav Klimt la grunnlaget for historien til 1900 -tallets kunst. Hans malerier og kunstneriske estetikk har lenge inspirert motedesignere. Andre som Aquilano Rimondi, L'Rene Scott og Christian Dior, designeren som direkte refererte til Klimt, var Alexander McQueen. I Resort Spring / Summer 2013 -kolleksjonen har han designet unike stykker som synes å være inspirert av kunstnerens arbeid. Ser på en flytende svart kjole med et gjentakende gullmønster på toppen - et bestemt bilde kan du tenke på. McQueen har brukt abstrakte, geometriske og mosaikkdesigner i bronse- og gulltoner, og inkorporert dem i designene hans.

I 1905 malte Gustav Klimt maleriet "The Embrace", og skildret et par fanget i en mild omfavnelse, som ble et symbol på kjærlighet. Den østerrikske kunstneren er kjent for sine gullmalerier, så vel som den perfekte kombinasjonen av abstraksjon og farge som er tilstede i disse verkene. Alle mosaikker har rike gyldne toner med kalejdoskopiske eller naturlige utsmykninger som har hatt stor innflytelse på mote. Dette maleriet er slående på grunn av de kontrasterende geometriske formene mellom klærne til de to elskerne. Herreklærne består av sorte, hvite og grå firkanter, mens damekjolen er dekorert med ovale sirkler og blomstermotiver. Dermed illustrerer Klimt mesterlig forskjellen mellom maskulinitet og femininitet. Alexander adopterte noe lignende for klærne.

6. Christian Dior

Grunnleggeren av impresjonismen og en av de største franske malerne i kunsthistorien, Claude Monet etterlot seg en stor kunstnerisk arv. Ved å bruke hjemmet og hagen i Giverny til inspirasjon, fanget Monet det naturlige landskapet i maleriene sine. Spesielt i maleriet "The Artist's Garden at Giverny" klarte han å manipulere det naturlige landskapet i samsvar med hans behov. Kontrasten til det brune smusssporet mot den levende fargen på blomstene utfyller scenen. Den berømte impresjonisten valgte ofte irisblomsten på grunn av sin lilla farge for å skape effekten av en lysende sol. Dette maleriet er fullt av liv når blomster blomstrer og hilser, og omfavner våren. Rose og lilla kronblad, iris og jasmin er en del av et fargerikt paradis avbildet på hvitt lerret.

På samme måte satte Christian Dior, en pioner innen fransk mote, et stort preg på moteverdenen som fortsatt kjennes i dag. I 1949 designet han en haute couture -kolleksjon for vår / sommersesongen. Et av høydepunktene på denne utstillingen var den ikoniske Dior -kjolen, fullstendig brodert med blomsterblader i forskjellige nyanser av rosa og lilla. Dior illustrerte perfekt de to kunst- og moteverdenene og etterlignet Monets estetikk i denne funksjonelle kjolen. Han tilbrakte mye tid på landet og malte samlingene sine i hagen hans i Granville, slik Monet gjorde. Dermed definerte han den elegante Dior -stilen ved å innlemme Monets fargepalett og blomstermønstre i kreasjonene hans.

7. Yves Saint Laurent

Mondrian var en av de første kunstnerne som skapte abstrakt kunst på 1900 -tallet. Han ble født i Nederland i 1872 og grunnla en hel kunstbevegelse kalt De Stijl. Bevegelsens mål var å forene samtidskunst og liv. Denne stilen, også kjent som neoplastisisme, var en form for abstrakt kunst der bruk av bare geometriske prinsipper og hovedfarger som rødt, blått og gult ble kombinert med nøytrale (svart, grå og hvit). Petes innovative stil på begynnelsen av 1900 -tallet tvang motedesignere til å reprodusere denne rene typen abstrakt kunst. Det beste eksempelet på denne malestilen er Komposisjon med røde, blå og gule farger.

Den franske motedesigneren Yves Saint Laurent, en kunstelsker, innlemmet Mondrians malerier i hans haute couture -kreasjoner. Han ble først inspirert av Pietes arbeid da han leste en bok om kunstnerens liv som moren ga ham til jul. Designeren uttrykte sin takknemlighet for kunstneren i sin høstsamling fra 1965, kjent som Mondrian -samlingen. Inspirert av kunstnerens geometriske linjer og dristige farger presenterte han seks cocktailkjoler som feiret hans ikoniske stil og sekstitiden generelt. Hver av Mondrians kjoler var litt forskjellige, men de delte alle en enkel A-form og en ermeløs knelengde som var perfekt for hver kroppstype.

8. Elsa Schiaparelli

Elsa Schiaparelli, født i 1890 i en aristokratisk familie i Roma, ga snart uttrykk for sin kjærlighet til moteverdenen. Hun begynte å utvikle sin revolusjonære stil, inspirert av futurisme, dada og surrealisme. Etter hvert som karrieren utviklet seg, samhandlet hun med så kjente surrealister og dadaister som Salvador Dali, Man Ray, Marcel Duchamp og Jean Cocteau. Hun samarbeidet til og med med den spanske artisten Salvador Dali.

Et av de største samarbeidene i motehistorien var samarbeidet mellom Dali og Elsa Schiaparelli. Denne kjolen ble laget med Salvador Dali som en del av Schiaparellis sirkussamling sommeren 1938. Kjolen refererer til maleriet av Dali, der han skildret kvinner med forvrengte kroppsforhold.

For surrealistiske artister var søket etter den ideelle kvinnen dømt til å mislykkes, siden idealet bare eksisterte i deres fantasi, ikke i virkeligheten. Imidlertid var det ikke Dalis intensjon å skildre kvinner realistisk, så kroppen deres er ikke estetisk i det hele tatt. Schiaparelli ønsket å eksperimentere med dette spillet om å gjemme og avsløre kroppen, og skape en illusjon av sårbarhet og usikkerhet. Kjolen med illusjonen av tårer var laget av lyseblå silkecrep og hyllet Salvador og hans uforholdsmessige kvinner.

9. Gianni Versace

Tiden med popkunst var sannsynligvis den mest innflytelsesrike perioden for motedesignere og kunstnere i kunsthistorien. Andy Warhol var banebrytende for blandingen av popkultur og high fashion, noe som gjorde ham til et ikonisk symbol på popkunstbevegelsen. På sekstitallet begynte Warhol å praktisere sin signaturteknikk kjent som silketrykk.

Et av hans tidligste og utvilsomt hans mest kjente verk var Marilyn Diptych. For dette stykket hentet han ikke bare inspirasjon fra popkulturen, men også fra kunsthistorie og abstrakte ekspresjonistiske kunstnere. Andy fanget de to verdenene til Marilyn Monroe, det sosiale livet til en Hollywood -stjerne, og den tragiske virkeligheten til Norma Jeane, en kvinne som slet med depresjon og avhengighet. Diptych forsterker vibrasjonen til venstre, mens den til høyre forsvinner i mørke og uklarhet. I et forsøk på å representere et forbrukersamfunn og materialisme fremstilte han individer som produkter i stedet for mennesker.

Den italienske designeren Gianni Versace hadde et mangeårig vennskap med Andy Warhol. Begge mennene var fascinert av populærkulturen. For å hedre Warhol, dedikerte Versace sin vår / sommer -kolleksjon fra 1991 til ham. En av kjolene inneholdt Warhol -utskrifter med Marilyn Monroe. Han innlemmet de livlige silkeportrettene av Marilyn og James Dean fra 1960 -tallet i skjørt og maxikjoler.

Og i fortsettelse av temaet mote, skjønnhet og ekstraordinære ideer, les også om hvordan moderne kunstnere har gjort sminke til et ekte kunstverk.